Fotoğrafik kompozisyon: fotoğrafın canlı eti

Kompozisyon Latince’de “birleşme” anlamına gelir – yani bir resmin tüm parçalarının, tüm unsurlarının bir bütün halinde bir araya getirilmesi. Bu kısa formülde o kadar çok anlam var ki, olayın önemli taraflarını gözden kaçırmak çok kolay. Her şeyden önce, resmin parçalarının ne olduğunu anlamanız gerekir. Sadece sahne açısından önemli tüm ayrıntılar – insanlar, masalar ve ağaçlar – değil, aynı zamanda boş alanlar, çerçevenin doldurulmamış kısımları, gökyüzü, arka plan vb. Örneğin, Karlsson’un ünlü eseri “Çok Yalnız Horoz “u düşünün. El değmemiş kağıdın tamamı kompozisyonun ana parçasıydı ve bu da bir köşede yuvalanmış yalnız horoza en önemli niteliği kazandırıyordu.

Stüdyo fotoğrafçılığında bile eğik çapraz gibi uygunsuz görünen kompozisyon yapılarını uygulayabilirsiniz. Burada, çekim baş aşağı çerçevelenerek eylemi vurgulanıyor. Canon 5D, 100/2.8 Makro, 1/125 c, f/14, ISO 100.

Fotoğraf: Yegor Narizhny

Örnek olay

Kompozisyon dünyada fotoğraftan çok daha önce ortaya çıktı. Kompozisyon, ister düz ister hacimsel olsun, her sanat eserinin doğasında var olan bir özelliktir. Eğer bir sanat eseri varsa, kompozisyon mutlaka mevcuttur. Fotoğrafik bir kompozisyona en yakın şey elbette resimsel bir kompozisyondur: Birçok sanatçı nesli yüzyıllardır bu konu üzerinde düşünmektedir. Fotoğrafın var olduğu kısa bir buçuk yüzyılda çok daha kısa bir süredir kitlesel bir sanat olmasına rağmen , resim kompozisyonunun geçmiş bin yılında olduğundan çok daha fazla fotokompozisyon el kitabının ortaya çıktığını belirtmek komiktir. Resim yapmak daha kolay olduğu için değil, daha ciddiye alındığı için. Sanat çevrelerinde, birkaç fırça ve birkaç tüp boya alıp, nasıl yaratılacağına dair kısa bir talimat okumak ve hemen şaheserler yaratmaya başlamak alışılmış bir şey değildir. Ve uzun bir öğrenme eğrisi olmalı, bu yüzden birçok şeyi yazmanın bir anlamı yok, özellikle de bunları teoride ezberlemek işe yaramazsa, aksine, onları cildinizde hissetmeyi öğrenmeli ve bir ve aynı tekniğin neden bir yerde işe yaradığını ve nerede her şeyi mahvettiğini anlamalısınız.

Parça ve bütün

Kompozisyon Latince’de “kombinasyon” anlamına gelir – yani bir çekimin tüm parçalarının, tüm unsurlarının bir bütün halinde birleştirilmesi. Bu kısa formülde o kadar çok anlam var ki, önemli hususları gözden kaçırmak kolay. Öncelikle, bir çekimin parçalarının ne olduğunu anlamanız gerekir. Sadece insanlar, masalar ve ağaçlar gibi tarihsel açıdan önemli tüm detaylar değil, aynı zamanda boş alanlar, çerçevenin boş bölümleri, gökyüzü, arka plan vb. Örneğin, Carlson’un ünlü eseri “Çok Yalnız Horoz “u hatırlayın: Bu eserde, el değmemiş kâğıdın tamamı kompozisyonun ana parçasıydı ve bu da köşeye sıkışmış horoza en önemli niteliği veriyordu – yalnızlık.

Dahası, bir kompozisyon unsuru çerçevede hiç olmayan ama izleyici tarafından icat edilen bir şey bile olabilir: örneğin, tepe noktası kesilmiş bir üçgen çekerseniz, tepe noktasının olması gereken nokta çerçevenin önemli bir kompozisyon unsurudur resmin fiziksel gerçekliğinde sadece boş bir alan olmasına rağmen .

Sadece adam figürü değil, çerçeve ile figür arasındaki karmaşık şekilli arka plan parçası ve adamın bacağı ile oturduğu sandalye arasındaki bir başka parça da kompozisyonun bütünleyici unsurlarıdır. Kompozisyon demokratiktir: koyu renkli figür ve etrafındaki arka planın daha açık renkli kısımları ortak davanın tam katılımcılarıdır. Hem gerçekten var olan hem de boş arka plan ve hayali olarak “yok” olan tüm bu yapboz parçaları, ideal olarak kendi başlarına güzel olmalı ve ayrıca birbirleriyle birleştirilmelidir, böylece bağlantılarında yeni bir nitelik ortaya çıkacak ve birleşik bir eser olan bir kompozisyon oluşacaktır.

Bu bağlantılar çok farklı olabilir, iki paralel çizgi gibi benzerliğe ya da tam tersine sarı bir yaprak ve beyaz bir kar yığını gibi zıtlık ve karşıtlığa dayanabilir, ancak. Çerçevenin unsurları birbirlerine uzanabilir veya birbirlerini itebilir ve tartışabilirler, ancak bir şekilde etkileşime girmeleri gerekir. İnsanoğlu çoğunlukla aydınlık ve karanlık, büyük ve küçük, sessiz ve hareketli gibi karşıtlıklarla düşünür. Bu nedenle kontrpuan ve zıtlık, bir resmin unsurları arasındaki sorunsuz tekdüzelikten daha yaygındır.

Eğer bir unsur çerçeveye gözle görülür bir zarar vermeden çıkarılabiliyor veya kesilebiliyorsa, bu unsurun çerçeve içinde gereksiz olduğu, diğer unsurlarla bağlantılarının zayıf olduğu veya hiç olmadığı ve onsuz yapmanın daha iyi olacağı anlamına gelir. Çerçevenin boş kısmının çok büyük olduğunu düşünüyorsanız, ancak kesmeye çalıştığınızda çerçevede kalabalıklaştığını ve örneğin kahramanın bakışının çerçeveye dayandığını fark ederseniz – boşluğu olduğu gibi bırakın, kompozisyonun gerekli bir parçasıdır. Bu arada, kompozisyona katkıda bulunanlardan biri ve en önemlisi, herhangi bir fotoğraf için önceden adlandırılabilir, çerçevedir. Bu, kompozisyonun temelidir ve her zaman akılda tutulmalıdır.

“Uyum” ve kompozisyon yasaları

Mikhail Zoshchenko’nun, dünya edebiyatında aşk temasıyla ilgilenirken, bu duyguya farklı zamanlarda verilen “aşk, ilahi seslerin ilahi bir birleşimi gibidir” gibi anlamsız tanımların bolluğu karşısında hayrete düştüğünü hatırlıyorum. Kompozisyona çok benzer. Bu konudaki diğer tüm metinlerde “uyum”, “yaratıcılık”, “denge” ve “dengeleme “nin birbirleri üzerinden açıklandığı yorumlara rastlamanız kaçınılmazdır ve bu ince kavramlar, anlamlarında fazla bir değişiklik olmaksızın, sağdan sola veya birinden diğerine herhangi bir sırayla değiştirilebilir. Öyleyse kompozisyon yasalarının özünü daha anlaşılır bir şekilde açıklamaya çalışalım.

Kompozisyon, çerçevenin farklı parçaları arasındaki bir dizi ilişki olduğundan, dahası bunlar ayrı parçalar olduğundan tipik bir portrede kirpikler neredeyse bir kompozisyon öğesi değildir; en küçük öğe muhtemelen göz olurdu , bunları insanlar arasındaki ilişkilere benzetebiliriz: bazı insanlar birbirini sever, bazıları diğerini sever. Elbette tüm bilimler gibi bu alanda da yasalar var, ancak deneyimlerimizle biliyoruz ki yasalar yasadır, ancak insanlar arasındaki ilişkilerin pratikte nasıl gelişeceğini tahmin etmek kolay değildir.

Kompozisyon için de aynı şey geçerlidir: kurallarını kesinlikle öğrenmelisiniz, ancak bunu öğrenmenin hiçbir şeyin garantisi olmadığını anlamalısınız. Kızın sempatisini kazanmaya kararlı genç bir adam görgü kurallarını öğrenirse iyi olur, ama bundan sonra meselenin şapkada olduğunu düşünmek gariptir. En iyi kompozisyon ipuçlarından biri, yasalarını öğrenmek ve sonra onları tamamen unutmaya çalışmaktır, böylece hesaplanarak değil bilinçsizce uygulanırlar. e. bir neden olarak değil, bir yöntem olarak.

Buna ek olarak, bileşim yasaları oldukça geneldir. Bir elemanın yerleştirilmesi gereken bir noktayı gösterirlerse, pratikte önemli toleranslar mümkündür ve nokta oldukça geniş bir alana dönüşebilir. Bunların kesin bir çekiç gibi hareket etmesini sağlamak mümkün değildir. Petersburg’da kompozisyon yasalarının algılanışını yıllar süren psikolojik testler sırasında inceleyen büyük bir araştırmacı grubunun, bu yasaların var olmadığı ya da daha doğrusu istatistiksel hata ve bireysel farklılıkların çok büyük olduğu sonucuna vardığı gerçeğine ulaşmıştır. Romantik ilişkilerin hikayelerini bu şekilde incelemeye karar verselerdi araştırmacıların ne bulacaklarını merak ediyor insan?

Çerçevenin geometrik temeli

Kompozisyonel iliĢkiler karmaĢık bir Ģekilde iĢler, ancak tanımlama kolaylığı açısından doğrusal ve tonal olarak ikiye ayrılabilir ikincisi renk vurgularını içerir . Doğrusal bağlantılar yalnızca nesnelerin ana hatlarının oluşturduğu çerçevedeki görünür çizgiler biçiminde değil, aynı zamanda resmin en önemli noktalarını birbirine bağlayan hayali çizgiler olan “kuvvet çizgileri” biçiminde de mevcuttur. Fransız sanatçı Charles Boulot, “Resmin Geometrik Sırları” adlı kitabında bir dizi klasik tabloyu analiz etmiş ve bu tablolardaki kompozisyon çizgilerini tanımlamıştır. Bu çizgilerin inşası açıkça öznel olsa da, resim algısı tanımı gereği öznel olduğundan, kompozisyon hakkında çok şey anlamamızı sağlarlar.

Kompozisyon oluşturma, ana konunun merkezinin çerçeveye yerleştirilmesiyle başlar ve o anda tüm kompozisyon çözümleri simetrik ve asimetrik olarak ikiye ayrılır. Ana konunun çerçevenin merkezine ya da ana eksenlerden en az birine yerleştirildiği simetrik çerçeve genellikle statik olarak kabul edilir, ancak “tam” sözcüğü muhtemelen daha uygun olacaktır. Ancak pratikte durum böyle olmayabilir: örneğin, hem büyük hem de tam boy birçok portre çerçevenin ortasına yerleştirilir ve her zaman statik olarak adlandırılamaz. Daha doğrusu, ana nesneyi merkeze yerleştirmek, çerçevede başka hiçbir nesneye ihtiyaç duymadığı, kendi kendine yettiği anlamına gelir – bir portre için tam da doğru çözüm. Genel olarak, fotoğrafik kompozisyon pratiği net ayrımlara direnir: ana nesnenin çerçevenin alt kısmına yerleştirilmesi depresif bir izlenime yol açabilir veya tam tersine, yukarı doğru bir sıçrama için yer açabilir.

Asimetrik bir kompozisyon, ana nesneden daha fazla bir şey, en azından yaşam alanı olarak ele alınabilecek veya bir ölçek belirleyebilecek boş bir alan gerektirir örneğin, tüm çerçeveyi dolduran bir kişi anıtsal görünürken, büyük bir boş alanla çevrili bir kişi tam tersine Carlson’un horozu gibi yalnız görünür . İkinci durumda, “boş” parça, bir şekil gibi anlamlı bir alan gibi görünecek şekilde düzenlenmelidir. Bu, tonal geçişler veya doku ile sağlanabilir.

Ağırlık ve denge

Çerçeveye ikinci, üçüncü, vb. bir unsurun eklenmesi. d. İyi tasarlanmış bir kompozisyonda önemli bir unsurun konumlandırılması, aralarında anlamlı bir ilişki yaratır. Tek sayıda önemli unsurun çerçeveye dahil edilmesi gerektiği bilinmektedir: resimde daha iyi görünürler. Kompozisyonel bağlantılar, bir resmin parçaları arasındaki ilişkiyi belirler: çekim, itaat veya çatışma olabilir. Aynı zamanda, nesneler arasındaki bağlantılar her şeyden önce “ağırlıkları” ve kompozisyondaki önemleri ile tanımlanır. Daha “ağırbaşlı” özne, daha az ağırbaşlı olana tabi olur. “Ağırlığın” da nesnenin çeşitli özellikleri tarafından belirlenmesi önemlidir: boyutu, çevresinden ton farkı, şekli ve ana hatların keskinliğine, rengin parlaklığına vb. bağlı olan genel “etkinliği”. Çerçevede hangisinin daha “ağır” olduğunu söylemenin zor olduğu iki nesne varsa örneğin, biri daha büyük ama daha gevşek, diğeri daha küçük ama daha parlaksa , resmin algılanmasında muhtemelen çok önemli olan gergin bir üstünlük mücadelesi vardır.

Bir kompozisyonun “ağırlığı”, kompozisyonun bir bütün olarak gerilimini ve dinamiklerini tanımlayan ana özelliğidir. Ancak buna kesin bir tanım vermek ve özellikle bu “ağırlığı” hesaplamak için bir formül türetmek pek mümkün değildir, çünkü her atış için farklı olan çok sayıda faktöre bağlıdır. Bir bakışta, bir dizi benzer nesneden bir fark örneğin, hepsi giyinik ve biri çıplak veya hepsi bulanık ve biri net çekilmiş veya çevredeki arka plandan bir fark olabilir – genel olarak, nesneyi diğerlerinden ayıran bir şey. Bir nesnenin “ağırlığı” da çerçevedeki konumuna çok bağlıdır ve merkezden ne kadar uzaksa o kadar “ağırlaşır”, sonuç olarak küçük ama aktif t. e. Köşede, çevresinden keskin bir şekilde ayrılan bir nesne, orta kısımdaki oldukça büyük bir nesneyi dengeleyebilir. Hatta bir fotoğrafçı kompozisyon oluşturmayı, bir davulcunun cephaneliğindeki çeşitli nesneleri, ortasındaki bir delikten dikey bir çubuğa sert olmayan bir şekilde tutturulmuş bakır bir tepsiye dizmeye benzetiyor. Bir nesne plakanın kenarına ne kadar yakın yerleştirilirse, plakayı kendi yönünde o kadar fazla yatırır ve fotoğrafçının görevi plakanın devrilmesini önlemektir.

Ton kompozisyonu

Ton kompozisyonu, çizgi kompozisyonuyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır ve aynı işlevleri yerine getirir: resmin unsurları arasında bir ilişkiler hiyerarşisi kurar, ancak çizgileri değil, parlak ve koyu, renkli veya siyah ve beyaz noktaları kompozisyon “malzemesi” olarak algılar. Daha doğru bir ifadeyle, çizgiler ve ton geçişleri görüntü içinde birbirleriyle etkileşim halinde olan “kütleler” resimsel kompozisyondan gelen bir terim oluşturur. “Kitleler” arasındaki bağlantıların yönünü çizen “güç çizgileri” eğitimli izleyici tarafından açıkça hissedilir.

Çerçevedeki farklı renk kombinasyonları tonal kompozisyon bağlantılarının bir parçasıdır. Etkileşim ilkeleri aynıdır: zıt bir arka plan üzerindeki küçük, parlak bir öğe, oldukça büyük, daha az cafcaflı renkli bir öğeyi dengeleyebilir veya hiyerarşik terimlerle eşit düzeyde performans gösterebilir. Aydınlık ve karanlığın karşıtlığına zıt renklerin kombinasyonları eklenerek, bileşik çözümün olası varyantlarının sayısı sonsuza çıkarılır.

uygun kurallar

Teorinin tadını çıkardıktan sonra, teorinin doruklarından popüler pratik kompozisyon ipuçlarına bir göz atabilirsiniz. Bunlar çok fazla değildir ve tartışılmaz avantajları açıkça ampirik kökenlidir çünkü teori burada içgüdüsel olarak yapılan başarılı kompozisyonların analizinden doğar. Sovyet foto muhabirliğinin ustalarından biri, sadece iki kompozisyon tekniği bildiğini söylemiştir: “merkezdeki nesne” ve “köşelere yayılma”. Bu, tercüme edilen metinlerin çoğu kadar rafine görünmüyor, ancak arkasındaki zengin deneyimi hissedebiliyorsunuz, özellikle de eserlerindeki “hızlanma” ilginçti.

Evet:

Çerçeveyi nesnenizle doldurun seçenek: yaklaşın . Bu, arka plandaki ev eşyaları gibi gereksiz hiçbir şeyin düşüncesizce kadraja girmesine izin vermemek için bir talimat olarak anlaşılmalıdır.

Konunuzu çekimin merkezine koymayın. En hafif tabirle bu tavsiye evrensel değildir: merkezi kompozisyon çözümüne sahip pek çok harika fotoğraf vardır. Ancak insani açıdan bunu anlamak çok kolaydır, özellikle de arsa merkezinin coğrafi merkezle tamamen aynı olduğu birkaç bin amatör fotoğrafa baktığınızda.

“Üçte bir kuralı “nı kullanın. Çerçeveyi yatay ve dikey olarak üç eşit parçaya böldüğümüzde, çerçevenin en önemli unsurlarını yerleştirmenin en iyi olduğu ana kompozisyon merkezleri olan bu çizgilerin 4 kesişme noktasını elde ederiz. Bu kuralın daha eski kökenli bir ikizi vardır – çizgilerin çerçevenin kenarlarının üçte birinden değil, çizgiler arasında 2/8 kalacak şekilde kenardan 3/8 çizilmesi gereken altın oran kuralı. Basit bir hesaplama, altın oran kuralı tarafından aranan noktanın çerçevenin merkezine kenar uzunluğunun sadece 1/24’ü kadar yakın olduğunu gösterir, yani. e. Vakaların büyük çoğunluğunda, bunlardan birine yerleştirilen bir nesne otomatik olarak diğerine düşecektir. Üçte bir kuralını ifade etmek daha kolaydır, muhtemelen bu yüzden daha popülerdir.

Nesneyi arka plandan ayırın – kompozisyonun ait olduğu hiyerarşiler dünyasında büyük önem taşır. Bu, birçok teknik hile ile sağlanabilir: sığ bir alan derinliği uygulayarak ve arka planı bulanıklaştırarak veya nesne ile arka plan arasında fark edilebilir bir ton renk, doku farkı sağlayarak örneğin, koyu bir arka plana karşı açık bir nesne koymak veya tam tersi .

Diyagonal çerçeveleme kullanın. Diyagonal, bir dikdörtgende mümkün olan en güçlü ve dinamik çizgidir. Önemli kompozisyon öğelerini üzerine konumlandırmak tüm çekime güç ve dinamik katar. Buna ek olarak, çerçevede eğik bir çizgi varsa, onu bir köşeye “almak” daha doğal olacaktır – çerçevenin kompozisyonu daha mükemmel olacaktır.

Diyagonal, daha ince bir kurala yakındır: basit geometrik figürlerin üst kısımlarındaki kompozisyonel önemli noktaları sıralayın ve bu figürleri çerçeve dikdörtgenine yerleştirin. En belirgin, basit ve psikolojik olarak güçlü figürler üçgen ve haçtır. Çerçevedeki çizgiler mutlaka bu tür figürler oluşturmamalıdır oluşturabilirler de . Önemli olan, ana kompozisyon bloklarını birbirine bağlayan “güç hatları” oluşturmaktır. Hem üçgen hem de haç düz olarak yerleştirilebilir – bu durumda üçgen için piramidal bir kompozisyona ters piramidin bir çeşidi ve haç için yatay-dikey bir kombinasyona sahip oluruz veya eğik – bu durumda tüm kompozisyon oldukça dinamik hale gelir. Köşelerinden birinin çerçevenin köşesinde, diğer ikisinin ise karşıt kenarlarda yer aldığı, onları anlamlı ve ilginç bir oranda bölen eğik üçgenin asırlık bir çeşidi. Eğik haç, ışınları Aziz Andrew’un haçı gibi çerçevenin köşelerinde durmayıp köşelere yakın bir yerde çerçeveye girerek bir spiral görüntüsü oluşturduğunda zaman içinde test edilmiş bir varyanttır.

Kompozisyondaki figürler ile arka plandaki boş parçalar arasındaki orantıyı gözlemleyin. Çoğu zaman, genişliklerinin veya uzunluklarının ideal oranının altın oran olduğu ortaya çıkar – yaklaşık 1,62. “Saf fotoğrafçılığın” savunucuları, fotoğraf çekerken tüm oranları korumaya çalışırlar; henüz bu idealde ustalaşmamış olanlar için, sihirli kırpma aracı da dahil olmak üzere daha sonra Photoshop kullanmanın önünde hiçbir engel yoktur. Dikkatli kullanıldığında görüntüyü basitçe dönüştürebilir!

Amacınız belirli sanatsal nedenlerle çekim yapmak değilse, en iyisi çerçevenin dikeylere ve yataylara sahip olduğundan emin olmaktır. Örneğin eğik bir ufuk çizgisi, genel olarak harika bir fotoğrafı bozabilir. Bu durumda da, “Photoshop “ta düzeltmeyi denemeye değer.

En boy oranınızı seçmekte özgürsünüz. Dar bir film formatının klasik 2:3’ü iyidir, ancak daha klas 4:5 veya 3:4 bile daha aşağı değildir. Deneyin – belki beğenirsiniz. Ve kare ancak pratikte, genellikle dikey olarak yüzde 5-10 oranında uzatılması tercih edilir kompozisyon araştırmanıza ciddi şekilde yardımcı olabilir.

Çekimin ana unsurunu çerçeveleyin. Önemini vurgular ve ona daha fazla anlam katabilir. Her türlü gerçek daldan, pencere çerçevesinden vb. bir çerçeve yapabilirsiniz. p., Boş bir alan da kullanabilirsiniz, ancak boyutu ve oranları konusunda sorumluluk almak önemlidir.

Yeni başlayan biri gereksiz ayrıntıları kadraja dahil etmemeyi öğrendikten sonra, bir sonraki hata olan çok yoğun kırpma onu bekleyebilir. Konunuzu boğmayın, kadrajda ihtiyaç duyduğu kadar hava verin. Çerçevedeki kişi sola bakıyorsa, sol tarafta bakmak için yeterli boşluk bırakın.

Tekrar ve ritim

Tekrarlayan kompozisyon öğeleri resme kendi ritmini katarak çok özel bir nitelik kazandırıyor. Etki yaratmak için çok güçlü bir araçtır, ancak ne yazık ki son yıllarda, özellikle de garantili etki için standart pazarlama teminatı satmaya niyetli fotostok ajanslarının yükselişiyle birlikte basmakalıp hale gelmiştir. Girişimci fotoğraf ustaları, ritme tabi fotoğraf üretimini o kadar büyük bir akışa dönüştürdüler ki, artık bir ara vermenin zamanı geldi, çünkü günümüzde bu kurallara göre oluşturulmuş neredeyse her kart hemen kelimenin en kötü anlamıyla profesyonel olarak algılanıyor.

Benzer nesne gruplarını bir çerçeve içinde düzenlemekten bahsetmişken, 6-8’den fazla nesneden oluşan bir grubun artık birkaç ayrı nesne olarak algılanmadığını ve bir yığına dönüştüğünü belirtmek gerekir. e. tek bir özensiz nesneye. Bir kompozisyon oluştururken bu da göz önünde bulundurulmalıdır.

Sonuç

Aslında, diğer tüm işlerde olduğu gibi çok sayıda kompozisyon kuralı ve hilesi vardır. Yukarıdakiler sadece başlangıç. Size en yakın ve en ilginç olanı seçin ve mükemmelleştirin. Bilginin tüm teorik yüksekliklerine ve derinliklerine hakim olmak zorunda değilsiniz. İyi eğitilmiş kompozisyon duygusu ve birkaç güçlü çerçeveleme tekniğine sahip olmak verimli bir çalışma için fazlasıyla yeterlidir.

Ve yine: fotoğrafçı da dahil olmak üzere bir sanatçı ideal olarak kendi eserinin efendisidir. Kompozisyon kuralları ona tabidir, ona değil; onları uygun gördüğü şekilde oynatmakta, belirli bir anda dünya hakkındaki hislerine uymazlarsa onları geri almakta ve yenilerini icat etmekte özgürdür.

İyi çekimler!

“Kompozisyon, görmenin en güçlü yoludur.”

Edward Weston

Fotoğrafçılıkta kompozisyon yazıldı ve yeniden yazıldı. Fotoğrafçılara algının psikolojik mekanizmaları üzerine, yabancı kelimelerden oluşan bir sözlük olmadan ilk sayfasına bile ulaşamayacağınız kalın kitaplar ve “nesneyi resmin ortasına koymayın” gibi basit metinler sunulabilir… Ancak konu, en hafif tabirle, kapanmadı ve öngörülebilir gelecekte de kapanmayacak. Sadece kompozisyon fotoğrafın kendisi olduğu için

Çerçeve neredeyse mükemmel simetrik olsa da, buna gerçekten statik diyemem. Buradaki ilginç noktalardan biri, çerçevenin kompozisyon açısından önemli kısmının tamamen çerçevenin dışına taşınmasıdır: istemeden gözlerimizin olması gereken yere bakarız ve çerçeve sanki eylemsizmiş gibi işlenir. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/60 sn, f/11, ISO 100.

Fotoğraf: Yegor Narizhny

İlk bakışta çerçevenin sol kısmı biraz boş görünüyor, ancak onu kırpmaya çalıştığınızda çerçeve aktif olarak direniyor, çünkü havada süzülen adamın ucu çerçevenin kenarına dayanıyor ve burada ne kadar havaya ihtiyaç olduğunu gösteriyor. Kompozisyonun temeli asimetrik bir piramittir. Canon 5D Mark II, 24-105/4L, 1/400 c, f/20, ISO 320.

Fotoğraf: Yegor Narizhny

Birkaç kompozisyon hilesini aynı anda kullanmanın bir örneği: birincisi, çerçeveleme bitki örtüsü bu amaç için idealdir ; ikincisi, konuya özel bir durağanlık ve dinginlik veren simetri; üçüncüsü, dağların bulunduğu ufuk çizgisi çerçeveyi yaklaşık ortadan böldüğü için ünlü “üçte bir kuralı “nı ihmal etmek. Simetri, neredeyse simetrik olarak yerleştirilmiş bir çift fenerle vurgulanırken, dinginlik de özlü siyah ve beyaz renk şemasıyla vurgulanıyor. Canon 5D, 24-105/4L, 1/200 c, f/8, ISO 200, pozlama düzeltmesi -1/3.

Fotoğraf: Igor Narizhny

Çerçevede ana konuya giden ve ona daha fazla dikkat çeken çizgiler – moda ve tür fotoğrafçılığında klasik bir teknik. Renk kombinasyonları da çerçevenin avantajına çalışıyor – modelin kıyafetlerindeki ve duvardaki duvar resmindeki genel kırmızı, beyaz ve siyah renk düzeni. Bunun kompozisyonla bir ilgisi yok ama fotoğrafçılıkta gerçek ve çizilmiş konuları birleştirmek her zaman ilginçtir. Canon 5D, 50/1.8, 1/60 c, f/7.1, ISO 320.

Fotoğraf: Yegor Narizhny

Burada kompozisyon, diyagonal ışık ışını ile alt köşesinde karanlık ve kompakt bir figür bulunan boş dokulu duvar arasındaki diyalogla tanımlanır. Kırılganlık ve denge, hiçbir şeyin değişmediği canlı ve kıvamlı bir zaman akışı – bu hisler her şeyden önce kompozisyon yöntemleriyle yaratılır. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/80s, f/8, ISO 800.

Fotoğraf: Yegor Narizhny

Sahnenin ana duygusu sakin ve görkemli olduğunda simetri bir şekilde kendi başının çaresine bakar. Tören fotoğraflarının çoğunun simetrik olması sebepsiz değildir, tıpkı tüm tören yapılarında olduğu gibi. Burada hikayenin dengesi, yaklaşık yarısının diğer yarısının bir yansıması olması gerçeğiyle pekiştirilmiştir. Canon 5D, 24-105/4L, 1/500 c, f/7.1, ISO 320, pozlama düzeltmesi -1/3.

Fotoğraf: Igor Narizhny

Tefekkür, yanılsamalar ve anılar dünyası, açıkça geleneksel unsurlar içeren düz bir cephe kompozisyonuna yol açar – hem boyalı deve hem de siluet özellikle gerçekçi olmakla övünemez. Ön planda ve arka planda yer alan iki üçgenin bariz tekrarı ve üst üste binmesi kompozisyonun temelini oluşturur. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/60 sn, f/5.6, ISO 100.

Fotoğraf: Igor Narizhny

Kompozisyon eşit derecede olan ve olmayandan oluşur. Çerçevenin dörtte birini kaplayan bulanık bir dikdörtgen, geleceğin ya da genç kızlık hayallerinin sembolü gibi bir şey değildir? Sertliği çerçeveye hakimdir ve bazı anlamsal çağrışımları akla getirir ve çerçevede neredeyse ortadan kesilen figür biraz sembolizm katar. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/30 sn, f/3.5, ISO 800.

Fotoğraf: Egor Narizhny

Göze çarpmasa da, çekim iki ritmin birleşimi üzerine kurulmuştur – asfaltta bir yaya “zebrası” ve karakterlerin kıyafetlerinden piyano tuşlarını anımsatan siyah-beyaz yerleştirme. Bu durumda kafalar gereksizdi. Canon 5D, 24-105/4L, 1/200 c, f/7.1, ISO 160.

Fotoğraf: Igor Narizhny

Birçok iyi fotoğrafta olduğu gibi, kompozisyon hakkında konuşmak için çok zaman harcanabilir, özellikle de ani bir sezgiyle fotoğraf çekmek. Çerçevedeki daire, arka plandaki binaların karelerini ve çocuğun etkileyici bakışını yansıtarak neredeyse büyülü bir etki yaratıyor. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/400s, f/10, ISO 200.

Fotoğraf: Igor Narizhny

P1000016.tif

soyut7.tif

potrebitel

Kompozisyonun yoktan nasıl fotoğrafik bir hikaye yaratabileceğine bir örnek. İzleyicinin, minyatür bir sedef hatıra kaplumbağasının kabuğu olan resmin temelini neyin oluşturduğunu tahmin etmesi pek olası değildir. Sert dikey, ağır yatay katmanlar ve kararsız renk çizgilerinin yan yana gelişi bağımsız bir desen oluşturuyor. Panasonic Lumix GF2, Leica 45/2.8 Makro lens, 1/25 c, f/2.8, ISO 400.

Fotoğraf: Igor Narizhny

Çok çeşitli konuların kaotik bir şekilde yan yana gelmesi bazen bir kare yakalamak için yeterli bir ruh hali yaratabilir. Burada piramit kompozisyon şeması kullanılmış, ancak çekim sırasında bu hiç düşünülmemiş. Panasonic Lumix GF2, 14/2.5, 1/125c, f/4.5, ISO 100.

Fotoğraf: Igor Narizhny