Yazarın fotoğrafçılıktaki gözü

Filmlerde sıklıkla kullanılan ana karakterin arkasından çekim yapmak, sahneyi onun gözünden gördüğümüz izlenimini yaratır ve bu sayede istemeden onunla özdeşleşiriz. Genel olarak, izleyicinin eserdeki herhangi biriyle yazar veya kahraman veya herhangi bir şeyle özdeşleşmesi, tüm sanatta kesişen bir temadır ve sanatta neyle uğraştığımıza dair temel bir kriterdir.

İtiraf etmeliyim ki çok fazla beklenti olmadan rastgele çekilmiş bir fotoğraftı ama günün en iyi fotoğrafıydı. Tanıklara göre aynı Cartier-Bresson’un az sayıda çekim yapmadığı ve birçok anlatıma göre çektiği baskıların oranının oldukça standart olduğu hatırlanabilir. e., Bizim yayınevimizde çalışsaydı, bir muhasebecinin homurdanmasını dinlemek zorunda kalacaktı: 2 makara film satın alındı ama sayı için sadece 3 makara kullanıldı, bu yüzden bariz bir israf var. Pratik sonuç: En ufak bir dürtmede ateş edin – daha iyi bir şansınız olur.

Kompozisyonel çözüm sayesinde çerçeve “çalışıyor”: eğik bir çapraz desen var bir masa-sandalye çizgisi ve tahmin ettiğimiz gibi onu kesen bir karakterin bakışları ve bu arada, kırpılmış bir sensörün tam kare bir sensörden daha iyi sonuç vereceği durumlardan biri, burada olduğu gibi çerçevenin üst kısmındaki odak dışı ayrıntılardan daha iyi kaçınılabilirdi .

Canon EOS 5D, 75 mm’de 24-105/4L, ISO 100, 1/15c, f/7.1, pozlama telafisi -1/3, diyafram önceliği.

Fotoğrafçılıktaki en önemli soru şudur: Bir insan neden buna ihtiyaç duyar?.

“Portrelerim, fotoğrafını çektiğim insanlardan çok benim hakkımda bir şeyler söylüyor.

Richard Avedon

Neden??.. Geçiminizi sağlamak için çekim yapıyorsanız, bu başka bir hikaye. Fotoğrafçı Vladimir Arkhipov, kendi gözünde ciddi bir amatör fotoğrafçının bir profesyonelden daha yüksek rütbeli olduğunu, çünkü ondan ustaya giden yolun daha kısa ve düz olduğunu ve bir profesyonelin sosis çektiğini defalarca söylemiştir.

Doğru olan doğrudur: Para karşılığı çekim yapan herkes, sizi çirkin bir yere götürdüklerinde ve “Güzel bir fotoğraf çek, katalog için ihtiyacımız var” dediklerinde ücretli fotoğrafçılığın küçük bir parçası olmadığını söyleyecektir. Her şey teknik ve teknikle ilgili.

Elbette, beceri üst düzey ve fotoğraf iyi ise her zaman bir keyiftir saçları çoktan ağarmış olsa da, gerçek bir fotoğrafçının fotoğraf çekmenin teknik sürecine duyduğu çocuksu coşkuyu merak etmekten asla yorulmayacağım , ancak bu konuyu değiştirmez: Bir sosisin de keyifli bir fotoğrafını çekebilirsiniz.

Bir kişinin içsel bir ihtiyaçtan dolayı fotoğraf çekmesi başka bir hikayedir: “çünkü hoşuma gidiyor”. Kendini ifade etme dürtüsü insan ruhunun derinliklerine kök salmıştır ve yok edilemez gibi görünür: Birileri ateş eder, birileri beste yapar, birileri iğne işi yapar ve eğer bunlardan hiçbiri yoksa, çitin üzerine yazar..

Ayrıca, herhangi bir sanatsal faaliyetin değerli olmasının başlıca nedeni, kişinin denemesi ve istemesi halinde kendisini objektif olarak görebileceği bir ayna olmasıdır Viktor Ivanovskiy’nin dediği gibi, eğer duygusalsanız, fotoğraflarınız duygusaldır; eğer aptalsanız, fotoğraflarınız aptaldır . Başka bir ayna da yok. Yani, sanat olmadan başkaları tarafından kendinizden çok daha iyi görüleceksiniz, ancak onunla kendinizi görmek, anlamak ve geliştirmek için değerli bir şans elde edersiniz.

Sadece bu bağlamda, Tokyo yeraltı gaz saldırısı nedeniyle idam edilen Sekou Asahara’nın sözlerini de hatırlamakta fayda var: Asahara, insanlara çevrelerine karşı yanlış yabancı tepkiler öğrettikleri için sanatçıları ve sanatçıları öbür dünyada en kötü cezanın beklediğini ileri sürmüştür. Güzel örnekler izleyen insan, kendisi için kişisel olarak neyin önemli olduğunu, yani aslında özünde kim olduğunu düşünmek yerine birinin sözlerini tekrarlar ve yüzünü buruşturur.

Bu her zaman zor ve hatta bazen acı verici bir sorudur ve “Ben Arjantinliyim” veya Papuan , “Ben bir futbol taraftarıyım” veya “Ben bir rockçıyım” gibi en basit cevaplar, seçici kişiyi uzun süre tatmin etmeyecektir. Yabancılaşmış, istenilen seçenekler daha tehlikelidir: o kadar kolay değildirler ve bir daha çıkmamak üzere kişinin içine saplanıp kalabilirler. Aslında bunlara çok aşinayız: bunlar fotoğrafik pullardır.

“Bir kamera bir düşüncenin fotoğrafını çekebilir”.

Dirk Bogarde

Tüm bu sorularla başa çıkmanın en iyi tabii ki öznel olarak ve kesinlikle en ilginç yollarından biri fotoğrafçılıktır. Fotoğrafçı, fotoğrafın yaratılmasının her aşamasında konu, kompozisyon, ön kısaltma, vb. fotoğrafın özüne iyi bakar. fotoğrafçılık her zaman bir seçimdir, bir dizi olası çözüm arasından en ilginç olanın aranmasıdır.

Görünüşe göre her durumda birkaç varyantla sınırlıyız, ancak bir müzisyenin emrinde sadece 7 nota var ve kimse geliştirecek yer olmadığından şikayet etmiyor. Ve her ev kadını aynı patates, et ve tuzdan bir çorba yapar ve her zaman farklıdır. Yazarın başlangıcının maddi temeli, onu oluşturan hammadde, her bir fotoğrafik aşamadaki sığ seçim özelliklerinde yatmaktadır.

Fotoğrafı ayakta durduğunuz bir yerden çekebilir ya da biraz yana kayabilir veya çömelebilirsiniz. Binanın bir köşesini çerçeveye dahil edebilir veya kenarlarında boş bir alan bırakabilirsiniz. Eksi iki pozlama düzeltmesi uygulayabilir veya sıfırda bırakabilirsiniz… Genel olarak bir seçenek vardır. Fotoğraf, uygun varyantında, çoğunlukla sözel olmayan bir sanat olduğu için bu da bir fotoğrafın ayrıntılı bir sözlü açıklama ile değiştirilemeyeceği anlamına gelir, kelimelerde her zaman tarif edilemez ve ifade edilemez bir şey vardır , seçim her seferinde sezgisel olarak yapılır.

Elbette, bir çekimden sonra herhangi bir fotoğrafçının size neden oturduklarını veya kadrajı kararttıklarını açıklaması kolaydır, ancak bu pek bir şey ifade etmez: emin olun ki iki açık sözlü fotoğrafçı aynı sahneyi farklı şekilde çekerse, her ikisi de seçimlerini eşit derecede ikna edici bir şekilde gerekçelendirecektir. Gerekçelendirme daha sonra, zaten sezgisel bir karar olduğunda gelir. İlk etapta geliştirmeniz gereken şey budur ve bu da sizi geliştirecektir.

“İyi fotoğrafçılık için hiçbir kural yoktur. Sadece iyi fotoğraflar var.”.

Ansel Adams

En bariz, sıradan seçimlerden sapmalar – konu, kompozisyon, aslında herhangi bir şey – fotoğrafçının aklına veya hemen ellerine geldiği gibi sezgisel olarak izleyici için de anında en değerli olarak kaydedilir.

“İlgi noktaları” yaratırlar ve bunların kombinasyonu stil oluşturur. Her şeyin temelinde yatan yazarın özgünlüğü, yazar üslup aynı zamanda bir araç olarak algılandığında, geleneksel olarak yazarın üslubuna karşı tutumu olarak tanımlanabilir.

Önsezinizi kandıramazsınız: sezgisel olmaktan ziyade yapmacık olan her türlü yapı, izleyici tarafından anında yanlış ve dolayısıyla ilgi çekici olmayan olarak algılanır. Bir fotoğrafçı, fotoğrafı çekmeden bir an önce karesini görmelidir elbette kareyi görecektir, ancak gerçekte bir şey çakışmaz veya yoluna çıkmaz – örneğin, yanlış arka plan veya fazladan insanlar ve bunu dökmemek için dikkatli olmalı, gördüklerini aklında tutmalı ve fikrine gerçeklik katmak için ateş sırasına girmelidir . Duyguları ve içindeki diğer her şeyi uyandıracak bir şey görmelisiniz ve sonra izleyiciyi uyandıracak bir şarjla çekim yapma şansınız var.

“Kendime asla ne yapacağımı sormam. Bunu bana kendileri söylüyorlar. Fotoğraflar benim yardımımla kendilerini yaratıyor.”.

Ruth Bernhard

İzleyici kesinlikle iyi bir şeydir, ancak kaçınılmaz olarak veya her zaman değil. Eğer görev kendini anlamaksa ve bu yazarın kökeniyse , o zaman yazar oldukça kendi kendine yeten bir izleyici olabilir: Gauguin’i, Van Gogh’u veya hayatı boyunca gizlice kendisi için film çeken ve neredeyse Bresson ile karşılaştırılan Chicago’dan yeni keşfedilmiş bir dadıyı düşünün gerçi, koleksiyonunu satması gereken antikacıları karşılaştırdıklarını hatırlarsanız, o zaman soru yok .

Her halükarda, fotoğrafik gelişimin ilk aşamalarında, stüdyonuzun dışındaki birine veya kendi içinizde fotoğrafınızda neler olup bittiğini ve ne istediğinizi açıklayamadığınızda, bir izleyiciye ihtiyacınız yoktur

Bu aşamada acemi bir fotoğrafçının ansiklopedik bir görevi vardır, eğer ciddi olarak öğrenirseniz: belirli bir çekim sorununa mümkün olduğunca çok sayıda farklı çözüm deneyin, çok basmakalıp olmayan pullar da dahil, ve sonra dikkatlice, Asahara’nın sözlerini hatırlayarak, sonuçları inceleyin ve kendiniz karar vermeye çalışın: hangisi benim, hangisi değil gerçekte bu, pratik yapmadan düşündüğünüzden çok daha ilginç ve keyiflidir . Bu önemli bir aşamadır: her teknik, kişisel stil tapınağının duvarındaki bir tuğladır. Ve bir tür deneyim ve otomatizm olduğunda, o zaman seçici bir izleyici değerli olacaktır.

“Çekeceğim şekilde tek bir kare bile çekmedim. Her zaman iyi ya da kötü sonuçlanırlar”.

Diane Arbus

Fotoğrafçılığı öğrenirken, özellikle de başlangıçta, en tehlikeli ve zararlı ayartmalardan biri hızlı bir mükemmellik için çabalamaktır benzer bir tuzak Hıristiyanlık pratiğinde de vardır – yeni bir mühtedi mümkün olan en kısa sürede bir aziz olmaya çalıştığında . İlk aşamada bu mükemmellik nereden geliyor??

En kolay ve en hızlısı yan tarafta. Ancak bir başkasının mükemmelliği, kopyalanmaya ve kendi mükemmelliğiymiş gibi gösterilmeye çalışılırsa, başarılı bir gelişme sağlandığında bir gün mükemmel bir resmin doğabileceği dürtüleri öldürür. Bu anlamda, karısının kurbağa derisini yakan Ivan-Tsarevich’in hikayesi, genç bir fotoğrafçı için kodlanmış bir tavsiye olarak okunabilir.

Calvin Klein olmasa da ya da içinde ilham periniz olmasa da cildinizde ne kadar kalmanız gerekiyorsa o kadar kalın, o zaman daha iyi olursunuz. Taklit sadece sürdürülemez olmakla kalmaz, aynı zamanda beslenmesi ve sulanması gereken en önemli tahılı, yani kişisel yazarlık kökenini de öldürür. Ve biraz daha güçlenmesine izin verirseniz, anekdot gibi olacaktır: “Büyüdüğümde, bunlardan istediğiniz kadar alacağım”. Bu nedenle, bir fotoğrafçının, özellikle de yeni başlayanların deney yapması ve holiganlaşması şiddetle tavsiye edilir – kişisel bir stil oluşturan ışık, bilinçli ve kasıtlı kusurlar, kurallardan sapmalardır ve eğer sağlıklı bir egoistseniz, bundan daha önemli bir şey yoktur.

“Antik bir vazo güzel yontulmuş ve güzel boyanmışsa, sadece bu nedenle bile güzel olacaktır. Ama aynı şeyin fotoğrafçılık için geçerli olduğunu sanmıyorum. Eğer biraz tuhaf, biraz eksik bir şey yoksa, güzel bir şeyin kopyası gibi görünecektir. Onunla ilgileneceğimizi sanmıyorum.”.

John Loengard

Elbette, fotoğrafik araç seti kendine özgüdür. Tanıdığım bir sanatçı çok şaşırmıştı: “Siz fotoğrafçılar için bir konu bulup her şeyi denk getirmek ve çekim yapmak için zaman bulmak ne kadar zor olmalı. Bizimle, ressamlarla, bu çok daha kolay: öğrenirsiniz, tarzınızı geliştirirsiniz ve sonra kendi memnuniyetinize göre boyarsınız”.

Bunun bir nedeni var: fotoğrafçı gerçekten de çevresine daha çok bağlıdır. Bu nedenle mümkün olan her yerden her türlü teknik bir araya getirilir. Sergileme sırasında her türlü hile örneğin kablolama ve ev yapımı optikler ve “Photoshop”. Sonuç iyi olduğu sürece tüm araçlar iyidir. “Saf” bir resmin yani Photoshop’suz her zaman daha yüksek ve daha iyi olduğuna dair tartışmalar nihayet azalıyor gibi görünüyor.

Onlarda spor gibi bir şey var. Bu, bir ninjanın düşmanları beş farklı silahla, diğerinin ise tek bir güvenilir katanayla öldürdüğünü düşünmek gibi bir şeydir, o zaman ikincisi daha önemlidir. Olabilir, ama olmak zorunda değil – kaç düşmanın ve hangilerinin biri ve diğeri tarafından öldürüldüğü çok daha önemli. Elbette, özellikle katana hayranıysanız, bu yaklaşım daha anlaşılır hale geliyor.

“Bir fotoğraf çekilmez, yaratılır.”.

Ansel Adams

Konu Photoshop’tan açılmışken fotoğrafçılar için tatsız bir gerçeği hatırlamakta fayda var: Cartier-Bresson hayatının sonunda fotoğrafçılığı bırakıp resim yapmaya başladı. “İşte! – Tanıdığım bir başka sanatçı bunu duyunca haykırdı. – Siz fotoğrafçılar fetişistsiniz! Gerçek bir sanatçı, tüm bu şeylerin, hem fotoğraf makinesinin hem de resmin, onun elinde sadece birer araç olduğunu bilir!”Belki Photoshop da bir gün saflarımıza katılır.

Ama izleyiciye geri dönelim. İzleyicinin konusu ve daha geniş anlamda çalışmalarınızın takdiri, kısa süre sonra kültürel çevre ve bağlam sorununa indirgeniyor. Yazarın başlangıcıyla güçlü bir bağlantı var. Bir sanatçı havasız bir alanda yaşamaz ve toplumdan beslenmek onun için çok önemlidir. Elbette, toplum ilk bakışta büyüktür ve günlük yaşamda hiç kimse sizi yalnızca seçkin birkaç kişiden oluşan küçük bir çevreyle iletişim kurmaktan alıkoyamaz.

Ancak kültürel matris söz konusu olduğunda, işler biraz daha karmaşıktır. Fiilen batı fotoğrafçılığını mükemmellik standardımız olarak benimsedik. Bu şaşırtıcı değil, çünkü gerçekten çok ileri gitti ve bunda yanlış bir şey yok. Sadece, zaman zaman takip edilecek örnekleri seçerken, bunun iki yönü arasında net bir ayrım yapmak gerekir: teknik uygulama düzeyi ve belirli bir çekimin onu üreten kültürel bağlamdaki anlamı.

Batı deneyiminin benimsenmesinde birinci, yani teknik alanda kaydedilen ilerlemenin ikinci alandaki ilerlemenin çok gerisinde kaldığını fark etmemek mümkün değil. Ve bu kaçınılmazdır: Farklı bir çevrede yetişmiş bir fotoğrafçı, Avrupa fotoğraflarında kodlanmış sezgisel anlamları kavramakta büyük güçlük çeker, tıpkı sanatçımızın, en gürültülü Avrupa başyapıtlarını yaratmakta ne kadar gayretli olursa olsun, Avrupalıları rahatsız eden sorunları Avrupalı bir izleyiciyle sezgisel bir dille konuşmak için fiziksel olarak içselleştirememesi gibi.

“Her resimde her zaman iki kişi vardır: fotoğrafçı ve izleyici.”.

Ansel Adams

Örnek bulmak için çok uzağa gitmenize gerek yok. Yeni başlayan herhangi bir fotoğrafçı, yeterince uğraşırsa, çağdaş batı moda fotoğrafçılığının profesyonel tekniklerinde ustalaşabilir örneğin . Ancak çok az insan moda ve reklamcılık gibi uygulamalı değil, modern Batı sanatı fotoğrafçılığını içtenlikle anlıyor.

Bu sadece birilerinin deneyleri değil, bir maestro olduğu milyonlarca satışla kanıtlanan Andreas Gursky’nin çalışmaları bile hafif bir tedirginliğe neden oluyor: Kandırılmıyor muyuz?? Nedir bu zamanımızın Warhol’u?? Sadece açık artırma raporlarındaki çok sayıda sıfır bir şekilde güven verici. Görünüşe göre o kadar paraya kanmayacaklar.

Bununla nereye varacağız?? Gursky bunu açıklığa kavuşturmak için sadece bir örnektir. Mesele şu ki, teknik hileleri anlamsal olanlardan çok daha hızlı öğreniyoruz ve hatta fark ediyoruz . Bu durum her yerde görülse de ideal değildir. Sonuç çok açık: öğrenmek zorundasınız! Sadece ‘nasıl’ değil, ‘ne’, ‘ne’ ve ‘neden’. Konu özgünlükten açılmışken, kafanızı ellerinize yakın tutmaya çalışsanız iyi olur. Ve oluyor, oh oluyor!

“Fotoğrafçılığın kendisi ilgimi çekmiyor. Ben sadece gerçekliğin küçük bir parçasını yakalamak istiyorum”.

Henri Cartier-Bresson

İyi atış!

Stüdyo çekimleri sıradan bir stüdyo odasında sadece birkaç soft-box ışık olmasına rağmen mümkünse bazı alegorik içeriklerle doldurulmalıdır, çünkü gerçek anlamları önemsizleşme riski taşır. Maske – canlı ve cansız, çıplak kız ve aynı zamanda maskeli balo, anne ve çocuk – birçok “ebedi” soru burada yığılmış durumda ve fotoğrafçılar yüzyılın sonuna kadar bunlara cevap verecek. Film günlerinde olduğu gibi, yerel koyulaştırma ve aydınlatma baskı sırasında yapılır güçlü ifade araçları olmaya devam etmektedir. Burada çerçevenin sağ kenarının tamamı karartılmış ve kız ile bebeklerin yüzleri vurgulanmıştır.

Canon EOS 5D, 105 mm’de 70-200/4L, ISO 200, 1/125c, f/11, manuel mod.

Her gün onlarcasını gördüğümüz konulardan biri, bu kez görsel akıştan çekip çıkarmayı başardı. Çekim, birbiriyle muğlak bir şekilde bağlantılı birkaç parçaya ayrılıyor ve bunların oranları çekimin ana ilgi alanını oluşturuyor, ancak yukarıdaki kırmızı tente ile bunun dairesel aynadaki yansımasının bariz birleşimi kesinlikle ağır basıyor. Çerçevenin biraz “fotoşoplanması” gerekti: eğimli perdenin kenarı aydınlatıldı ve tentenin solundaki kör edici beyaz ayrıntı, tam tersine, çerçevenin en parlak kısmı olmaması için karartıldı. Kemer, Türkiye’de bir alışveriş caddesinde kaçarken çekildi.

Canon EOS 5D, 47 mm’de 24-105/4L, ISO 200, 1/200 sn, f/9, pozlama telafisi -1/3, diyafram önceliği.

Stüdyo fotoğrafçılığında yaratıcılık öncelikle hayal gücü, hafiflik, tembelliğin olmaması ve bazen pervasız bir holiganlık gerektirir. Burada olduğu gibi, takma kirpikler ve doğaçlama bir taç gibi etkileyici ayrıntılar son derece önemlidir. Monokrom dönüştürme bu durumda gereksiz renk bilgilerini keser ve yekpare bir görüntü oluşturur.

Fotoğraf: Yegor Narizhny.

Canon EOS 5D Mark II, 95 mm’de 70-200/2.8L, ISO 100, 1/200 c, f/9, manuel mod, stüdyo ışığı.

Çoğu zaman beğendiğiniz bir mekanı çekersiniz ve sonra monitördeki resme baktığınızda şunu fark edersiniz: Bu bir çekim değil, çekim için iyi bir arka plan; eksik olan bir karakter veya aksiyon. Bu kareyi gölgelerin ve sütunların grafik tasarımına duyduğum ilgiye yanıt olarak çektim, ancak büyük olasılıkla rüzgar esmeseydi ve uzaktaki masanın üzerindeki masa örtüsü uçmasaydı, bu kare hiç gerçekleşmeyecek ve pek çokları gibi arşivlerin “Hiçbir Şeyin Olmadığı Yerler” bölümüne gidecekti. Birinci sonuç: Bir fotoğraf çektiğinizde, karedeki tüm ayrıntıların değişen koşullarının farkında olun ve hızlı ve sezgisel bir şekilde yanıt verin. İkinci sonuç: Daha fazla çekim yapın. Bu çekim beş taneden biriydi ve hepsi bir dakika içinde çekilmiş olmasına rağmen, hepsi monitörde farklı görünüyor.

Photoshop’ta düzenleme, renklerin doygunluğuna ve hafif bir parlaklık ayarına indirgenmiştir.

Canon EOS 5D, 45 mm’de 24-105/4L, ISO 100, 1/400 sn, f/10, pozlama telafisi +1/3, diyafram önceliği.

Burası Laos’ta gece vakti Vientiane’de bir sokakta bulunan bir terzi dükkânı. Ceketleri tamamlanmamış mankenler, geceleri floresan ışıklarının cansız parıltısında anlam dolu görünüyor.

Gece Sahnesi fotoğrafçılığı, tanıdık olanı şaşırtıcı şekillerde ortaya çıkaran tuhaf – ve iyi anlamda – konuların tükenmez bir hazinesidir. Bu çekim için bir tripoda ihtiyacınız yok – bir sabitleyici ve yüksek hassasiyetleri kaldırabilen bir kamera size birçok seçenek sunar ve doğrudan olmanızı sağlar, oysa bir tripod daha mantıklı bir yaklaşım gerektirir. Dijitale geçmek gece fotoğrafçılığımı tamamen değiştirdi, en azından renkli olarak. Slayt gösterilerinde bir düzine ölçüm yapmak için iyi bir spotmetreye ihtiyacınız olurdu, ancak şimdi sadece hızlı bir çekim ve bazı hızlı düzeltmelere ihtiyacınız var.

Gece çekimleri de ilginçtir çünkü yapay ışıkta renklerin canlılığını korumanıza olanak tanır. RAW fotoğraflar şiddetle tavsiye edilir.

Canon EOS 5D, 40 mm’de 24-105/4L, ISO 1600, 1/10 sn, f/5.6, pozlama telafisi -1, diyafram önceliği.

“Modellerin Yaşamları” serisinden. Moda çekimlerinde genç kadın modellerin aşırı neşeli cıvıltıları, erkeklerin kadın algısının asırlık iki eşitsiz parçaya bölünmesini yansıtan bir tür holiganlığa yol açabilir: boynun üstü ve altı. O anda kafamı çerçeveye sokmamanın daha iyi olacağını düşündüm.

Bununla birlikte, görüntü sağlam, canlı ve duygusal bir şekilde bir araya geldi ve hatta doygun renk şemasıyla “ısındı”.

Pentax 645 kamera, 75mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, stüdyo ışığı.

1950’ler ve 60’lardan İstanbul’dan bir sokak manzarası: kısacık bir an, etkileyici bir bakış, belirsiz bir giriş. Bu tarz, herhangi bir ön hazırlık olmaksızın yakala ve çek sorununa teknik bir çözümün yaratıcı bir şekilde gerçekleştirilmesiydi ve felsefesinin merkezinde anın geçiciliği ve benzersizliği, geçici olanın estetiği vardı. Ne yazık ki, fotoğraf makinelerinin teknik yetenekleri daha da arttığında ve zaman akışındaki bir saniyeyi yakalama yeteneği doğal bir mesele haline geldiğinde, fotoğrafçılara ilham vermeyi bıraktı.

Olympus E-3, 23mm’de Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 Eq . 46mm , ISO 100, 1/160c, f/4.5, pozlama telafisi -1/3, diyafram önceliği.

Bu karede iki “baş kahraman” var: katedral duvarı ve ön plandaki siyah siluet. Hangisinin “daha önemli” olduğu net değildir ve bu belirsizlik öznenin gerginliğinin nedenidir.

Çerçevenin sol tarafının biraz boş görünmesi ilginçtir, ancak kırpma veya küçültme girişimlerine aktif olarak direnmektedir birkaç deneme, çerçeveyi orijinal haliyle bırakmanın daha iyi olduğunu göstermiştir .

Pentax 67 kamera, 90 mm, siyah beyaz film.

Siyah beyaza aktarmak genellikle yaşam denizi kadar çeşitli olan dokuyu vurgulamakla sonuçlanır ve onu resmin merkezine yerleştirir. Bir okul balosunda çekilen bu kısacık karenin odak noktası, kızın istemeden de olsa kaslı sırtıdır; diğer her şey onun arka planı, deyim yerindeyse bir yaşam alanı ve bağcıklar da bir tür kaide görevi görür. Görüntü merkezi konu, kompozisyon, vb. tıpkı kralın maiyeti tarafından yapıldığı gibidir. d. çerçevede merkezin kendisinden çok daha fazla yer kaplayan çok sayıda alt ve ikincil ayrıntı olmadan yaşayamaz. Yani pratik sonuç şudur: önemsiz kısımları kesmek için acele etmeyin ve kesmeye karar verirseniz, ilk sürümü sıfırlayın Ctrl+Z tuş kombinasyonu ve çekimin iyileşip iyileşmediğini ve bazı belirgin olmayan ancak önemli kompozisyonel parçaların kaybolup kaybolmadığını tekrar kontrol edin. Fotoğraf: Egor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L, 70 mm, ISO 1250, 1/160 sn, f/5, diyafram önceliği.

Mimari detaylar etkileyici olabilir ve hatta burada olduğu gibi, eski bir Roma evindeki tuğlalı bir pencerenin yüzyıllardır yuvarlak bir açıklıkla iletişim kurduğu gibi bazen canlı görünebilir keşke ne hakkında olduğunu bilseydiniz . Orijinal çekim sıradan bir nedenden ötürü çok daha büyüktü: o zamanlar bu kamerayla bir set için henüz para biriktirmemiştim ve çerçeveleme, daireyi tek parça halinde kesmenin ve pencerenin altındaki ve üstündeki boş duvarın oranlarında gereksiz değişiklikler yapmamanın daha iyi olacağını gösterdi.

Pentax 67, 90 mm, siyah beyaz film.

Atina’nın eski mahallelerinin dokulu duvarları fotoğrafçılar için ciddi bir cazibe merkezi. Her zaman olduğu gibi, siyah ve beyaz şema dokuyu vurguluyor ve burada da bol miktarda var: keskin koyu yapraklar, pürüzlü duvarlar ve beyaz badanalı yürüyüş yolları. Aktif düzlemler duvar kendi başlarına olağanüstü etkileyicidir, ancak vurgu detayları ve çevreleriyle dikkatli bir şekilde “oynamayı” gerektirir. İlginç bir sonuç için pratik yapmanız ve sonuçları dikkatle incelemeniz gerekir.

Pentax 67, 55mm, siyah beyaz film.