Photobiennale 2012: fotoğraf festivaline genel bir bakış

Photobiennale Türkiye’nın en büyük fotoğraf festivalidir. Her iki yılda bir, Multimedya Sanat Müzesi eski adıyla İstanbul Fotoğraf Evi tarafından “Fotoğrafta Moda ve Stil” ile dönüşümlü olarak düzenlenmektedir. Fotobiyennale 2012 yılında 60’ın üzerinde serginin yer aldığı 9. edisyonunu kutladı. Organizatörlerin konseptine göre bunların hepsinin iki temayla “bir araya getirilmesi” gerekiyordu: ana tema – “Odak – ABD” 2012 Türkiye’da ABD ve ABD’de Türkiye yılı ilan edildi ve “Film Yapımcıları – Fotoğrafçılar ve Fotoğrafçılar – Film Yapımcıları”.

Chris Marker. “Koreliler” serisinden, 1957

Sanatçının ve Peter Blum Gallery’nin izniyle, New York

Önceki yılların aksine örneğin 2008’de Andreas Gursky’nin retrospektifi İstanbul’ya getirilmişti ve “İlk Çiçek” – MDF küratörleri tarafından bir araya getirilen Türkiye’daki renkli fotoğrafçılık tarihi hakkında parlak bir sergi , Fotobiennale 2012’de böyle bir merkez eser sunulmadı. Bu yıl, festivalin olağan özelliklerinin yanı sıra belirsiz temalar ve tek tip kavramsal çerçevenin yokluğu gibi , sanki organizatörlerin fikre olan ilgisi tükenmiş gibi özel bir “bulanıklık” izlenimi verdi. Birçok kişi tarafından da belirtildiği üzere, fotoğraf hazinelerini sunma konusunda her zamanki yaratıcı yanma ve coşku enerjisini ateşlemedi. Bununla birlikte, bu kez de, aralarında çağdaş sanatın kesişim noktasındaki eserlerin de yer aldığı ilginç bir Batılı sanatçı seçkisi sergilendi. Mevcut fotoğraf sergisinin belki de en güçlü noktası bunlar olmuştur.

Modernite, bilindiği gibi, sadece günümüzü tanımlamak için kullanılan bir kelime değildir bu tür kelimeler hem 16. hem de 18. yüzyıldaki zamanlarımızı tanımlamak için kullanılabilir . Modernite, kültürün gelişiminde geleneksel toplumun parçalandığı, yenilikçi olan her şeyin değer kazandığı ve kentsel çevrenin sürekli bir değişim topluluğu haline geldiği özel bir aşamadır. Amerikan kültürü burada önemli bir semboldür: hem olumlu hem de olumsuz anlamda her zaman ‘modernliğin’ ön saflarında yer almıştır. O halde, “günümüzün sorunları “nın sunumunun “Amerikan teması” ile bu kadar başarılı bir şekilde birleştirilmesine şaşmamak gerekir. Ve Türkiye için, huzursuz tarihimizle, sürekli herkesi yakalama ve geçme arzusuyla, şiddetli modernleşmelerin korkunç deneyimiyle ve aynı zamanda sürekli ilerleme yürüyüşünün dışında kalma ve “topluluk” ve “sobornost” içinde donma arzusuyla, bu muhtemelen üzerinde düşünülmesi gereken en acil fikirlerden biridir.

Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei ve Alec Sot gibi birbirinden farklı ancak birçok açıdan kavramsal ve konsept olarak benzer yazarların çeşitli projeleri, burada belirli bir tema üzerine tek ve tutarlı bir yansıma olarak ortaya çıktı.

Bunlardan biri de Shore’un ‘Muhteşem Yerler’i. Yetmişli yıllarda Amerika’yı gezen ve 1982’de Uncommon Places’i yayımlayan Shor, kavramsal ve belgesel fotoğrafçılıktaki en güncel trendlerin öncülerinden biri oldu. Günlük yaşamın en basit sahnelerine dair çekimleri, çalışmalarının geçtiği dönem ile günümüz arasında bir köprü kuruyor: savaş sonrası yol ve sokak fotoğrafçılığı, renklere ciddi bir ilginin doğuşu Shore burada William Egleston ile birlikte anılıyor , Becher’in ‘tarafsız’ keşif fotoğrafçılığı, Nan Goldin, Andreas Gursky ve Martin Parr’ın etkisi ve bir sanat formu olarak banal olana duyulan güncel ilgi.

Parr, ünlü projesi The Last Refuge tarafından temsil edildi. New Brighton Fotoğrafları 1983-85″. Basın bülteninde serinin “The Guardian tarafından ‘Ölmeden önce görülmesi gereken 1000 sanat eseri’ listesine dahil edildiği” belirtilse de, başlangıçta son derece karışık bir tepkiye neden oldu. Bazı izleyiciler filmi keskin ve iğneleyici bir siyasi hiciv olarak algılarken, bazıları da işçi sınıfının Brighton’daki bir tatil köyünde geçirdiği zamanı alaya alıyor İngilizcede bu elbette bir kelime oyunu: resort kelimesi hem “sığınak” hem de “tatil köyü” anlamına geliyor . Parr’ın bakışı, soğukkanlı bir öfkeyi insanları aşağılayan politikacılara karşı? manipülasyona boyun eğen insanların kendi aptallıklarına? ve renk, doku ve gündelik olanın güzelliğine hayranlık duyuyorum.

Parr’ın çalışması, festivalin hemen başında, hatta resmi açılışından önce gösterilen Taryn Simon’ın “Fotoğraflar ve Metinler” adlı derleme sergisini yansıtıyor. İki projeden elde edilen görüntüler özellikle etkileyici: “Innocents” 2003 ve “The American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . İlkinde, sahte fotoğraflı kimliklerine dayanılarak başkalarının suçlarından mahkum edilen kişilerin portreleri. DNA testleri suçluları idamdan veya ömür boyu hapis cezasından kurtardı, ancak birçoğu 10-20 yıl hapis yattı. “Amerikan Kataloğu”. – Amerikan yaşamının temeli ve köşe taşları olan, ancak ortalama vatandaş ve izleyici için “görünmez” kalan nesnelerin bir dizi fotoğrafı: Nükleer Atık Depolama Merkezi, dirilmeyi bekleyen donmuş cesetlerin özel kapsüllerde tutulduğu Cryonics Enstitüsü, bazı türleri “Amerikan yaşam tarzını” teşvik etmek için desteklenen çağdaş sanatın kalıcı bir sergisini gözlerden saklayan CIA karargahı vb. Kasıtlı olarak “tarafsız” ve “keşfedici” bir şekilde yapılan ve oldukça uzun metinlerin eşlik ettiği Simon’ın çalışmaları, hayal gücü, kurgu, manipülasyon ve gerçeklik arasındaki boşluğu araştırarak propaganda ve ideoloji de dahil olmak üzere bilinmeyeni görünür kılıyor. Ayrıca metin ve görseller arasında da. Simon, çağdaş yaşamın arka planı olarak fotoğrafı inceliyor, bilincimizi ve bilinçdışımızı inşa etmedeki rolüne işaret ediyor.

Liu Bolin’in “Görünmez Adam” sergisi, hem Çin’in siyasi ve sosyal yaşamı ve genel olarak dünyanın önemli meseleleri üzerine yumuşak ama çok kesin bir yorum hem de fotoğrafın doğası üzerine şaşırtıcı bir yansıma, dünyanın çeşitli görsel sanat stratejileri ve türleri, optik yanılsamalar ve algı yasalarının bir keşfi haline geliyor. Yakından bakıldığında her ayrıntının fark edilebildiği bir fotoğraf gibi görünen şey, uzaktan bakıldığında tüm “vuruşların” ve “işaretlerin” tek bir görüntüde birleştiği ve kişinin diğer adıyla yazarın basitçe kaybolduğu bir karakter içinde resim gibi görünür.

Soth’un “Acımasız Güzellik” adlı eseri, seçimi ve yerleştirilmesiyle günümüzün en ilginç sanat belgeselcilerinden birinin eserinin hissiyatını bulanıklaştıran talihsiz bir küratöryel proje gibi görünüyor. Bir hikaye anlatıcısı ve kitap serilerinin yaratıcısı olan Soth, çalışmalarına daha önce Simon ve Bolinh ile gördüğümüz tuhaf bir nitelik kazandırıyor – bir “araç” olarak fotoğrafın dikişlerinin ironik bir keşfi, aynı zamanda oldukça sinematik, bir filmin tüm alanını güçlü, karmaşık tek bir kareye sıkıştırıyor.

Shore, Parr, Simon, Bolinia ve Sota’nın imgelerinden diğer Fotobiennale projelerine uzanan ipler, Fotobiennale’nin yapısını bir araya getiriyor, dikiyor. Bir yanda “arşivsel” ve tarihi sergiler, diğer yanda bu kez ağırlıklı olarak metin, fotoğraf ve sinema ile temsil edilen farklı sanat türlerinin kesişimi.

İlk projeler arasında “New York” adlı devasa sergi de yer alıyordu. Çinli sanatçı Ai Weiwei’nin fotoğrafla çalıştığı “1983-1993. Art Review’un yıllık “Günümüzün Etkili Sanatçıları” listesinde “En Popüler” olarak adlandırılan Ai Weiwei, yakın zamana kadar resmi olarak takdir edilen bir sanatçıydı, ancak 2008’de Çin’in muhalefetinin sembolü haline geldi. Sanatçı, inşaat sektöründeki yolsuzluklar da dahil olmak üzere Sichuan depremiyle ilgili bağımsız bir soruşturmayı destekledikten sonra dövüldü; ardından tutuklandı, stüdyosu tahrip edildi ve tasarım firmasına karşı vergi kaçakçılığı davası açıldı. İnsanlar abonelik yoluyla onun için 1 milyon topladı. Photobiennale 2012’de sunulan proje, bu hikaye yaşanmadan çok önce yapılmıştı. Sergide, geçen yüzyılın 10. yıldönümüne ayrılmış özel bir bölüm de dahil olmak üzere New York’un yaklaşık 200 fotoğrafı 10 bin fotoğraftan yer alıyor. . Bu bir tür seyahatname, ancak elle değil kamerayla çekiliyor ve yerel yaşamın her şeyi kapsayan bir ansiklopedisi haline geliyor. Ai Weiwei’nin projesinde Batı’ya bir hayret, Robert Frank gibi ünlü fotoğrafçılar da dahil olmak üzere sanatçılarla buluşmaların ayrıntılı bir dokümantasyonu ve göçmenlerin yaşamları da dahil olmak üzere günlük sahneler yer alıyor. Farklı bir estetik geleneğe sahip yabancı bir kültürün büyülenmiş ve şaşkın bakışı, paradoksal bir şekilde New York’taki temel, içgüdüsel ve önemli bir şeyi yansıtır ve ortaya çıkarırken, kültürün kendisinin unutmak için zaman bulduğu görselin daha önceki bir katmanını fotoğrafik olarak ortaya çıkarır.

Photobiennale’in tarihsel katmanında en az üç ilginç sergi daha yer alıyordu: Walter Rosenblum’un “From the Heart” Hine & Strand’in sosyal odaklı belgesel fotoğrafçılığı , Lee Friedländer’in “America as seen from the car” sokak fotoğrafçılığının öncüsünün son projelerinden biri, dikiz aynasında Amerika’nın siyah-beyaz yansımaları, günlük sahnelerin şaşırtıcı çapraz akımları ve beklenmedik açılar ve “New York. 1955”, bir zamanlar William Klein Cartier-Bresson’un “görünmez fotoğrafçı” ilkesini çiğnemesi, teknik mükemmelliği doğallık lehine reddetmesi ve Amerikalıları çirkin ve New York’u varoş bir şehir olarak gösterdiği için 27 yaşındaki yazara yöneltilen skandal suçlamalar tarafından ünlüdür.

Ayrıca son derece ilginç iki “arşiv” sergisinden de bahsetmek gerekir: “Arşiv Sanatı. LAPD arşivlerinden fotoğraflar” ve Doug Menyes’in “Korkusuz Deha: Silikon Vadisi’nde Dijital Devrim 1985-2000”. Her şeyden önce, her iki sergi de malzemenin kendisi, olup bitenlerin belgelenmesi nedeniyle ilginç görünüyor. Ancak daha yakından incelendiğinde, fotoğraf tarihinde birçok kez gündeme gelmiş bir soruyu gündeme getiriyorlar – fotoğrafın kayıt, sosyal ve sanatsal bileşenleri arasındaki zor çizgi hakkında.

“Arşiv Sanatı” 1920’lerden 1950’lere kadar çekilmiş yaklaşık 100 fotoğrafı sunuyor; negatifler 2001 yılında tesadüfen bulundu. Suç mahallerinin, kanıtların, kurbanların, soyguncularla katillerin ve cesetlerin bu çekimlerine bakarken, sınır aşımı ve kabul edilebilir olanın sınırları hakkında, katı uzmanlar ve kriminologlardan oluşan bir izleyici kitlesi için tasarlanan görüntülerin ortalama izleyicinin önüne ne ölçüde konması gerektiği hakkında ve sanatçının ya icat ettiği ya da havadan topladığı bilinçdışı estetik eğilimler hakkında sorular ortaya çıkıyor. Belli bir noktada, tüm bunların Joel Peter Witkin’in çalışmalarından daha az şok edici olduğu gibi garip bir duyguya kapılıyorsunuz ve burada gösterilen şey gerçek, sanatçı tarafından özellikle yeniden işlenmiş bir şey değil . Belki de “arşiv-röportaj” fotoğrafçılığı, bir sergide bile çok tanıdık bir arka plan olarak algılanmaya devam ettiği için.

Doug Menuz’un 15 yıldır çektiği fotoğrafların her biri, çeşitli Silikon Vadisi projelerinin Steve Jobs ile çalışmaya başladı tarihçesine ilişkin kapsamlı bir yorumla birlikte sunuluyor. Ancak tüm serinin birleşik bir anlatı olduğu söylenemez. Daha ziyade, görsel ve sözel olanın eşit rol oynadığı bir öykü koleksiyonudur. Karttan karta, bir tarih ders kitabından daha fazlasına baktığınızın giderek daha fazla farkına varıyorsunuz. Yavaş yavaş Amerikan kültürünün nasıl işlediğine ve inovasyonun neden bu kadar iyi kök saldığına dair şaşırtıcı derecede tutarlı bir imaj yaratılıyor. Burada da Klein ve Cartier-Bresson arasında fotoğrafçının eyleme katıl a maması ve görünür ol a maması üzerine yaşanan “ideolojik” tartışmanın doğrudan bir yankısı vardır: Menyes “dahil edilmiş bir gözlemciydi”, günlerini ve gecelerini gerçek anlamda karakterleriyle birlikte geçiriyordu. Kendisi projesini “görsel antropoloji arayışı” olarak adlandırdı.

Arşivler ve tarih teması, Bienal’deki diğer iki sergiyle modern bir boyut kazandı: “Kötü Kameralı Bir Sanatçı” Miroslav Tikhoy’un fotoğrafları ve John Rafman’ın “Google Street View’in Dokuz Gözü”. Bu sergiler birbirinden tamamen farklı ve biraz da zıt iki hikaye anlatıyor gibi görünüyor. Bir tanesi totaliter devlet tarafından marjinalize edilen Çek bir avangart sanatçı hakkında. Diğeri ise modern teknolojinin yaygın, kişisel olmayan ama beklenmedik bir şekilde kişisel bakışıyla, mahremiyet, mesafe, inziva fikrinin farkına varmamızı engelleyen ezici bilgi gürültüsüyle ilgili. Ancak her ikisi de ham ile teknik açıdan mükemmel, amatörlük ile zanaatkârlık, sanatçı duyarlılığı ile çılgınlık, sanat ile estetik “çöp” arasındaki ince çizgiyi sorguluyor.

Fotoğrafın ikiz kardeşi ya da çocuğu olan sinematografi konusuna gelince, bu konu Fotobiyennale’de sadece doğrudan belirli film yapımcılarına adanmış projelerde örneğin Ingmar Bergman üzerine iki sergi ortaya çıkmadı. “Belgesel film yapımcısının “basit” görünümü bile “sinematografik” hale geldi. Böylece Peter Hugo’nun şaşırtıcı ve kalıcı projesi “Sırtlan ve Diğer İnsanlar” sosyal dünyada zoraki oyunculuk ve oyunu, doğal ve yapay olanı sorguluyor hangisi daha önemli: hayvanlara işkence etmeyi durdurmak mı yoksa şiddet yanlısı insanların yoksulluğuna dikkat etmek mi ? . Temanın beklenmedik yansımaları “Los Angeles Arşivleri “nde bile duyuldu; polis fotoğrafçılarının ek iş olarak dünyanın “en sinematik” şehirlerinden birinin stüdyolarında oyuncuları çektikleri ve kara film türünü taklit ettikleri ortaya çıktı.

Bir fotoğrafçının film yapımcısına ya da bir yönetmenin fotoğrafçıya dönüşmesi, 20. yüzyıl yazarları için yaygın bir yoldur. Festivalin müdavimlerinden Sarah Moon’un bu yılki projesi Siyah Başlıklı Kız’ı sunmasına zaten alışkınız. Wim Wenders’in 1980’lerin başında başladığı ve bugün de devam eden fotoğraf serisi “Dünya Yüzeyinden Görüntüler” bir tür “görsel haiku”. “Moody” ve “atmosferik” geniş formatlı renkli panoramik görüntüler, Wenders’in filmlerini ve Becher’in öğrencilerinin çalışmalarını anımsatarak, hayatın akışı olarak rengi ve bir kavram olarak boşluğun sınırlarını belgeliyor. Film yapımcısı, fotoğrafçı ve filozof Chris Marker’ın resimleri gibi, tek bir kareye sığdırılmış bir anlatının karmaşıklığıyla, arkasında zamanın sürekli akışının gizemi ve başka birinin tarihinin parçalarının uçurumu olan. İstanbul’da dört Marker serisi ve birkaç filmi aynı anda izledik. “Koreliler” 1957 – Kuzey Kore’ye yapılan bir gezi sırasında çekilen siyah-beyaz bir klasik. “What’s Her Hour” projesi?” 2004-2008 – Paris metrosunda kamerasını kol saatine saklayan “dost canlısı bir paparazzi “nin bulanık gizli çekimleri: kadrajın ötesinde gizli bir nedenle kahkaha, kadrajın ötesindeki bir şeye yandan ve uzaktan dalgın bir bakış. “Based on Dürer” – enstalasyon – eski gravürlere “dönüş”, “Silent Film” 1995 ve “Empty People” 2005 – tarihin doğrusal olmayışı ve görüntü, metin ve anlamın yan yana gelişi üzerine iki enstalasyon daha. Ve son olarak, “Runway” 1962 – fotoğrafik görüntülerden oluşan, zamanı ayrık bileşenlere ve paralel mekanlara bölen ve kahramanın varoluş hikayesini üç zaman katmanında anlatan bir film.

Festivalin Rus “bölümüne” gelince, geleneksel olarak batıdaki gösterilere kıyasla “sönük” kalıyor. Çok daha az sayıda ilginç sergi vardı ve Harry Gruyere’in İstanbul deneyimi “İstanbul 1989-2009” bile fotoğraftan çok metinlerden bahsediyordu.

Sergiler arasında Alexander Sliussarev’in 1966-1993 yılları arasında çektiği siyah-beyaz fotoğraflardan oluşan “Seçme Eserler” dikkat çekiyor., hepsi yazarın baskıları, çoğu aile arşivinden. Bu sergi, mükemmel küratöryel çalışma, zaten bilinen ve yeni olanları birleştiren dikkatli ve düşünceli bir seçim ile hoş bir sürpriz yaptı.

“Arkady Shaikhet. Devamı. 1928-1931” başlıklı, ünlü fotoğrafçının torunu Maria Zhotikova-Shaykhet tarafından hazırlanan sergi oldukça ilginç duygular uyandırıyor. Neredeyse her karede sosyalist ekonomiye -yeni evler, kâğıt fabrikaları, sanayi tesisleri- bir övgünün bariz varlığına rağmen, Shaikhet’in fotoğrafları bu başarıların diğer yüzünü, örneğin yeni ülkenin miras aldığı yoksulluğu ve yeni rejimin aynı insanlar üzerinde yarattığı insanlık dışı baskıyı anlaşılmaz bir şekilde gözler önüne seriyor. Ve ayrıca basitçe sıradan, gündelik, özel yaşam, her türlü baskıyla mücadele etmek – hatta insan doğasını yeniden şekillendirmek için yola çıkan devletin baskısıyla bile. Orta Asya’dan gelen kareler bu anlamda özellikle ilginç. “Zaman Makinesi. Vladislav Mikosha’nın “Colour 1930-1970” adlı eseri “Primrose “un bir yankısıdır. Kameraman, fotoğrafçı, ünlü savaş muhabiri ve 2009’da yüzüncü yaşını kutlayan Sovyet yaşamının vakanüvisi, renkli filmlerin öncülerinden biri olacak.

“Rus bölümü “ndeki sinematik tema, Alexander Sokurov’un “Russian Ark” filminin onuncu yıldönümü için hazırlanan bir proje ve “Interior” sergisi ile temsil edildi. Natura. Vladimir Mishukov’un “Pavilion “u Andrey Zvyagintsev’in “Elena” filminin çekimlerinden fotoğraflar . Belki de hepsi bu kadar – bir de İstanbul’daki galerilerde birkaç önemli çağdaş sanatçının küçük sergileri var.

Sonuç olarak, festival tarif edilemez bir tat bırakıyor. Sonunda, tüm projelerle ilgili hafızasını tazeleyen düşünceli bir eleştirmen aniden görmeye başlar: Fotobienal, çağımızın önemli trendlerini gösteriyor ve gerçekten büyük ölçekli bir bütünlüğü temsil ediyor. Buna ek olarak, her zaman olduğu gibi Batılı sanatçılar tarafından ve Batılı küratörler tarafından hazırlanan birçok iyi sergi vardı MDF, Türkiye’ya getirilmesi gereken nihai ürün konusunda her zaman mükemmel bir anlayışa sahip olmuştur . Aynı zamanda, sergilerin kendileri de sürekli ve alışılmış bir şekilde kaos ve ayrı parçalara bölünme izlenimi veriyor; net bir yapı veya belirgin bir genel konsept, ulusal uzmanların olgun ve parlak küratöryel çalışmaları ve Rus kültürünün küresel süreçteki yerine dair net bir anlayış yok. Küresel sanatsal trendleri 7/24 analiz etmeyen çoğu izleyicinin bunları bir araya getirebileceğinden hiç emin değilim. Dahası, bu yıl sindirilmesi oldukça zor ve kültürümüze pek de organik olmayan birkaç yazarla uğraşmak zorunda kaldı. Ve daha kaç kez devam etme zamanının geldiğini söylemem gerekecek ve bu mesaj duyulacak mı, yoksa festival her zamanki gibi durgunlaşmaya devam edip izleyicilerin ilgisini giderek kaybedecek mi bilmiyorum.

Ai Weiwei. Aşağı Doğu Yakası Restoranı. 1988

© Ai Weiwei. Üç Gölge Fotoğraf Sanat Merkezi’nin izniyle

William Klein Dört Kadın, Süpermarket, 1955 © William Klein

Vladimir Mishukov, Andrey Zvyagintsev’in “Elena” filminin çekimleri sırasında

Doug Menyes Korkusuz Deha: Silikon Vadisi’nde Dijital Devrim 1985-2000.

Steve Jobs on yıllık bir teknoloji geliştirme döngüsünden bahsediyor. Sonoma, Kaliforniya 1986

Bilinmeyen yazar Kadın polis memurları atış poligonunda atış talimi yapıyor. 1968

© Los Angeles Polis Departmanı Fototeka Los Angeles’ın izniyle

Ingmar Bergman Fanny ve Alexander filminin setinde

Fotoğrafçı Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Kentsel Kamuflaj Serisi – 36, 2007

“Bilginizi geliştirmek için düşüncelerinizi toplayın” © Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing’in izniyle

Liu Bolin Kentsel Kamuflaj Serisi – 16, 2006

Vatandaş ve Polis Memuru #2 © Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing’in izniyle

Harry Gruyere Türkiye. İstanbul. Winzavod çevresindeki bölge. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha İstanbul. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 Kasım 1977