Akıl almaz Alexander Kitaev ve onun St

Alexander Kitaev’in Lumiere Kardeşler Fotoğraf Merkezi’ndeki sergisi İstanbul’nın kültürel yaşamında gerçek bir olaydı. Petersburg’un önde gelen fotoğrafçılarından biri olan Kitaev, çok sayıda projenin organizatörü ve küratörü ve son zamanlarda da fotoğraf tarihçisidir. Petersburg’un İvan Bianki döneminden günümüze uzanan fotoğraf kayıtları tarihinde, hiç kuşkusuz ŞEHRİN eşsiz imgesini yaratarak yerini alıyor. Kitaev’in ana ve favori konusu olan St. Petersburg ilk kez bu kadar büyük ölçekte temsil ediliyor. Sergilenen 130 orijinal eserin tümü çeyrek yüzyıl boyunca üretilmiştir.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev’in yıllar boyunca verdiği röportajlardan:

“Multi-tasker” diye bir şey var, yani birden fazla işte ustalaşmış biri. Fotoğrafçılıkta “çoklu görev” yaparım.

“Mesleki inancım uzun yıllara dayanan deneyimlerimle şekillendi: “Asla güncel olarak talep edilen şeyi yapmayın. Günümüz çalışmasını bir düzen, özgür yaratıcılığa karşı bir şiddet olarak algılıyorum, ki bu sadece ruhun içsel hareketlerine yanıt vermelidir.

“Bir noktada fotoğrafın içimdeki diğer her şeyi emdiğini, kırmızı ve beyaz kan parçacıklarına ek olarak kan bileşimimin ışığa duyarlı gümüş halojenürleri de içerdiğini ve bunların sürekli algısı olmadan yaşayamayacağımı fark ettim; fotoğraf benim yaşam biçimim, algılama ve iletişim yolum haline gelmişti. 1987 civarındaydı”.

“Kamera, elin bir uzantısı haline gelmeli ve kafayı, görüntünün yaratımına kendini tamamen kaptırması için serbest bırakmalıdır.”.

“Petersburg benim için zamansız ve bir insan olarak bu şehrin değişmeyen ruhani özünü yakalamaya çalışıyorum. Bu kişilik çelişkili.”.

“Portre hiçbir zaman yok olmayacak, çünkü bu gezegendeki herkes her şeyden önce kendisiyle, önerdiği ya da varsaydığı koşullarla ilgilenir. Bir diğer husus ise portrelerin günümüz sanatında hakim olan rafine entelektüel ve biçimsel post-modernist oyunlara uygun olmamasıdır. Şu anda pek çok sanatçı için ‘ben’ diye olabildiğince yüksek sesle haykırmak önemli!!!”. Ve yankı olup olmaması umurunda bile değil. Ve bir portrede sanatçı her zaman ikinci sırada gelir, karakter önce gelir. Ve portre en azından yarına gönderilmiş. Ve portrecilik en azından bir zanaat ve okul ustalığı gerektirir. Ancak çağdaş sanat için tüm bunlar “geçerli” değildir. Bu yüzden bugün birçok sanatçı portre yapmaktan kaçınıyor. Ben arka siperdeyim. Benim için sanatla ilgili olarak ‘alaka’ bir küfürdür.”.

Alexander Kitaev.Fotoğraf: Stanislav Chabutkin.

Moika’da buz sürüklenmesi. 2003 g.

– Alexander, son yıllarda sergi faaliyetlerinizi büyük ölçüde azalttınız, kişisel sergileriniz bir tatil gibi nadir hale geldi. Bu sergi sizin için neye dönüştü?

– Gerçekten de bir zamanlar yılda birkaç kişisel sergi açıyordum, düzinelerce grup sergisine katılmaktan bahsetmiyorum bile. Çok fazla fotoğraf çektim ve bastım ve insanların emeğimin meyvelerini görmesini istedim. Şimdi fotoğrafçılık tarihiyle daha fazla ilgileniyorum ve öğretiyorum. Kendi sergilerinizi düzenlemek için giderek daha az zaman kalıyor. Ancak bana bir sergi yapmam teklif edilirse ve koşullar kabul edilebilirse, kabul ederim. Mevcut sergi, geçmişten gelen çeşitli fotoğraf serileri ve döngülerinden oluşuyor. Bu serilerin her biri bir şekilde hayatımda bir dönüm noktasıydı, ancak hiçbir zaman bir arada sergilenmediler. Bu sergi için bir sonuçtan ziyade bir retrospektif denebilir.

– Siz kesinlikle en ünlü Rus fotoğrafçılardan birisiniz. Böyle bir popülerlik memnuniyet verici midir ve kişi bununla nasıl yaşar??

– “Ünlü” terimi fotoğrafçı için pek geçerli değil. Objektifin arkasındaki insanlar nadiren objektifin önündeki insanlardan daha iyi tanınır. Belki de mesleğin doğası böyledir. Aklıma mimarlar geliyor? Sanat eserleri her zaman gözümüzün önünde, hepimiz onlara hayranlık duyuyoruz, ancak çok az insan yüzlerini veya yaratıcılarının isimlerini hatırlıyor. Fotoğrafçılar için de aynı şey geçerlidir: etraflarındaki dünyayı aydınlatır ve ışıklandırırlar, ancak neredeyse her zaman gölgede kalırlar. Dolayısıyla, yalnızca çok sınırlı bir popülerlikten, yani mesleki faaliyetlerinin doğası gereği fotoğraf “tüketimi” ile şu ya da bu şekilde bağlantılı olan belirli bir çevredeki popülerlikten bahsedebiliriz.

Sizin de ifade ettiğiniz gibi, belli bir çevrede “ünlü” olmamın bence tamamen nesnel iki nedeni var. Uzun zamandır fotoğrafçılık işindeyim ve bu doğal bir nesil değişimi oldu. Her toplulukta ya da meslekte, her zaman yetkili bir büyüğün olması gerekir. Bugün ben de onlardan biriyim. Yani bu benim özel yeteneklerimle ilgili değil, sadece ilk yaratıcı dürtümü ve kendimi, yazarı, sonsuz bir fotoğrafik batonun küçük bir halkası olarak hissetmeyi sürdürmemle ilgili. Bir başka husus da zamanla ilgilidir. 21’inci yüzyılın başından bu yana, fotoğrafçılıkta yeni teknolojilerin ortaya çıkmasıyla birlikte, dünya çapında milyonlarca insan fotoğrafçılığa başladı. Birçoğu hobilerini geliştirmek istiyor ve öğrenecekleri, rehberlik edecekleri birilerini arıyor. Birçok insan fotoğraflarımı beğeniyor – dolayısıyla, büyük sayılar yasasına göre, ünüm.

“Güzel” ve “nasıl yaşanır” konusuna gelince, her madalyada olduğu gibi bunun da iki tarafı vardır. Halkın gözü önünde olduğum için, çoğu kötü olan birçok fotoğrafa bakmak zorunda kalıyorum. Ve sadece izlemek için değil, onlar hakkında bir şeyler söylemek, açıklamak için, çünkü insanlar bana tavsiye için, yardım için, bir değerlendirme için geliyorlar. Sizi yorar ve gözünüzü kör eder. Aynı zamanda popülerliğim birçok sorunu daha az çaba ve enerji ile çözmemi sağlıyor. Alıcılarla pazarlık yapmak ya da sergiler düzenlemek için devlet memurlarıyla görüşmek gibi.

– Kendinizi nasıl sanatçı yapabilirsiniz??

– Pek çok şey başlangıç koşullarına bağlıdır: aile, sosyal çevre, doğum yeri vb. Dedikleri gibi, “basit” bir ailede doğdum. Annem ve babam köylü çocuklarıydı. Babam araba tamircisi, annem ise hemşire oldu. Akrabalarımın sosyal çevresi onları sanatla uğraşmaya teşvik etmedi. Ama bana nasıl sıkı çalışacağımı öğrettiler. Genç bir adam olarak, fotoğrafçılığın yanı sıra birçok zanaat öğrendim. Sıkıcı, mekanik bir şekilde çalışmak her zaman ilgimi çekmedi ve her meslekte bir şeyler icat ettim ve yaratıcı yaklaşımımı gösterdim. Fotoğrafçılık hayatımda ön plana çıktığında, sosyal çevremi değiştirmeden bu işi öğrenemeyeceğimi anladım bir fabrikada metal işçisi olarak çalışıyordum . O zamanlar, 1970’lerin başında, bir köylü çocuğuydum., O zamanlar ülkenin en iyi fotoğraf kulüplerinden biri olan Vyborg Kültür Sarayı VDK kulübüne katıldım. Bu ilk adımdı. Daha sonra, fabrikada zanaatkar bir fotoğrafçı olduğumda, kendimi beşeri bilimler alanında eğitmek için çok çalıştım ve ısrar ettim. Bir adım daha: 1987’de “Mirror” fotoğraf kulübüne üye oldum, o zamanlar atmosfer yaratıcılıkla dolup taşıyordu. Ve sonra şanslıydım: Olağanüstü bir sanatçı ve polimat olan Pavel Potekhin’i tanıdım ve onunla arkadaş oldum. Bu benim sanatsal eğitimimi tamamladı.

Sanatçı unvanının kendi başına bir unvan olamayacağına inanıyorum. Her zaman ve her fotoğrafçı neslinde, çalışmaları gözden düşen fotoğrafçılar olmuştur. Onları kalabalıktan ayırmak için çağdaşları onlara sanatçı derlerdi. İlk sergimi açtığımda ve ziyaretçilerden “Bakın, işte bir sanatçı” sözünü duyduğumda, kimden bahsettiğini görmek için endişeyle etrafıma baktığımı bir yerde söylemiştim? Benim hakkımda olduğu ortaya çıktı. Çok sıra dışıydı. Bu unvan artık tehlikeye girmiştir. Çok sayıda kolej ve eğitim kurumu, mühendisler ve orta dereceli okullardaki öğretmenlerle aynı zamanda sanatçı yetiştirmektedir. Ve eline bir fotoğraf makinesi alan birçok kişi hemen sahibinin bir fotoğrafçı-sanatçı olduğunu söyleyen bir kartvizit sipariş ediyor. Ben saflara katılmak istemiyorum. Bugünlerde her şeyin farklılaştığına dair bir his var içimde. “Fotoğrafçı-sanatçı” kavramı, “tramvay yolcusu” kavramından daha fazla anlam ifade etmemektedir.

– Petersburg’u böylesine keskin bir netlikle çekebilmek için onu çok iyi tanımanız ve hissetmeniz gerekir. Şehirle ilgili vizyonunuz nasıl şekillendi??

– Nasıl oluşmuştur? Size anlatmaya çalışacağım, ama bunun genç yaşta kendime koyduğum bilinçli bir hedef olduğunu düşünmeyin. Bir şekilde kendiliğinden oldu. Petersburg hakkında büyük şairler ve yazarlar tarafından birçok eser yazılmış ve dünya edebiyatının hazinesine girmiştir. Petersburg’un şu ya da bu konusuna baktığımda, bir meydan, bir cadde, bir bina vb. d., Onlar hakkında literatürden zaten bir şeyler biliyordum. Ama her zaman daha fazlasını bilmek istedim – ilgilendiğim kişinin biyografisini: ailesinin kim olduğunu, ne zaman doğduğunu, saatin kaç olduğunu? Bu merakımı gidermek için Petersburg’un tarihini ve bu nedenle genel olarak mimarlık tarihini; Petersburg’un yaratıcılarının ve ünlü sakinlerinin biyografilerini, dolayısıyla coğrafyasını incelemek zorunda kaldım. Petersburg’un ikonografisi ve dolayısıyla güzel sanatlar tarihi. Bütün bir kompleks var, size her şeyi anlatamam. Benim için kesin olan bir şey var: Şehir beni ve vizyonumu şekillendirdi. Belki de bir şey için seçilmiştir. Ve ona borçluyum. Nasıl olduğunu bilmiyorum ama pek çok yurttaşımın aksine ben St Petersburg’daki şu ya da bu yeniliğe karşı mücadelede barikatlara gitmiyorum. “Yerin dehasının” hoşuna gitmeyen her şeyle başa çıkabileceğini ve gerisini Tanrı’nın halledeceğini biliyorum. Üç asırdır bu şehirde yaşıyorum ve hiçbir taktiksel müdahalenin stratejisini değiştiremeyeceğini biliyorum. Bize sahip olan şehirdir, biz değil!

Şehrimi belgelendirirken fotoğraflarımı satmayı hiç düşünmedim ve neredeyse hiç komisyon almadım. Müşteri her zaman bendim. Hayatını ve sanatını diğer uygulamalı fotoğrafçılıkla kazandı. Sanırım bu durum resimlerimde iz bıraktı.

– Sanatçı Alexander Kitaev’in ilk olarak hangi fotoğraflardan yola çıktığını söyleyebilir misiniz??

– Farklı türlerde çalıştığımı biliyorsunuz? Bir fotoğraftan sonra kendi kendime şöyle dediğimi çok iyi hatırlıyorum: Artık St. Petersburg’un içimde yaşattığı duyguyu bir kâğıtta somutlaştırabileceğimi fark ettim. 1982 yılı civarıydı, on yıldan fazla fotoğrafçılık yaptıktan sonra. İşte o zaman, daha sonra eleştirmenler tarafından “Kitaev’in Petersburg’u” olarak adlandırılacak bir şeyin ortaya çıkmaya başladığını kendi içimde hissettim – ve etrafımdakiler henüz bunu göremiyordu. Diğer türlerde de durum aşağı yukarı aynıydı. Ancak fotogrametri alanında çalışmaya başladığımda 1989 civarı , benden öncekilerin bu alanda yaptıklarından çok farklı bir şey yapmaya başladım.

Joseph Brodsky bir keresinde öğrencilerine bir şairin eserinin her zaman devam eden bir çalışma, bir seçki olduğunu ve şairin bir şekilde Herkül olduğunu açıklamıştı. Onun kahramanlıkları onun şiirleridir. Herkül’ün ne olduğunu bir, iki ya da üç başarıdan anlayamazsınız. Herkül on iki yaşında. Fotoğrafçılıkta da durum aynıdır: tek bir görüntüden fotoğrafçının başlangıç noktasını veya ölçeğini anlayamazsınız. Ve kişinin kendi yaptıklarına “amel” demesi Herkül’ün işi değildir..

– Mükemmel kompozisyon hakimiyetiniz doğuştan gelen bir duygu mu yoksa sıkı çalışmanın ve yılların deneyiminin bir sonucu mu??

– İkisi de değil. Burada Thomas Mann’a katılıyorum: “İnsanın içten içe ihtiyaç duyduğu hüner oldukça çabuk kazanılır”.

Fotoğraf çekmek, bir emülsiyonu veya matrisi fotonlarla bombardıman etmektir. Bu bombardıman her zaman hedefe yönelik değildir. Ancak bunu en azından kümeler halinde yapmak gerekir. Süte çarpmamak için kompozisyon konusunda bir beceri edinmeniz gerekir. Belki de bu beceri Petersburglular için daha kolay ve hızlıdır. Neva deltasının sakinleri, birinci sınıf mimarlar tarafından yaratılan harika uyumlu bir alanla çevrilidir; St Petersburg müzeleri, kusursuz kompozisyon örnekleri sunan güzel sanat başyapıtlarıyla doludur. Hepsi çocukluktan beri ister istemez göz tarafından beslendi. Geriye kalan tek şey, bu eğitimin meyvelerinden faydalanmak ve bu konuda ustalaşmaktır.

Şunu belirtmeliyim ki, sözde kompozisyon yasaları bir kez ve herkes için keşfedilen, öğrenilen ve başarıyı garantilemek için zorunlu olarak uygulanması tavsiye edilen bir şey değildir. İnsan gözü giderek daha donanımlı hale geliyor ve kompozisyon yasalarının klasik terimleri, görsel sanatlar henüz emekleme aşamasındayken, araçları oldukça basitken formüle edildi. “Tonal ve çizgisel perspektif”, “ritim”, “hikaye ve kompozisyon merkezi”, “çeşitlilik”, vb. p. – kimse bunu iptal etmedi. Ancak modern sanatçı ultra geniş açılı veya ultra uzun odaklı lensler kullanır, kızılötesi filmle çekim yapar veya X-ışınlarıyla görünmeyene bakar, vb. d. Tüm bunlar, mekân ve konu ile ilgili gelenekleri paramparça eder ve sizi kompozisyon kuralları hakkında yaratıcı bir şekilde düşünmeye zorlar, bunları bugün dünyayı görme biçiminize uyarlar. Bana göre, kompozisyon yasaları her zaman iş bittikten sonra ortaya çıkar. Bir sanatçı ders kitabı okuyarak değil, yükseklerden bir şeyler dinleyerek mükemmel bir eser yaratır. Bir teorisyen gelir, imgeyi bileşenlerine ayırır, tartar, hisseder, ölçer ve hepsini ortaya koyar. Sonra da başyapıtlar yapmak için tarifler yazıyor.

– Mükemmelliğe doğru sürekli çabalamak, imkansız ve ulaşılamaz bir şeye doğru çabalamaktır?

– Hayır, istemiyorum! Sadece mümkün olan en yüksek seviyeye ulaşmaya çalışıyorum. İçimde belli bir akort çatalı var, onu dinleyerek başarıya ulaşıp ulaşmadığımı anlıyorum. Burada, tüm yaratıcılıkta olduğu gibi, iki yön vardır: teknik ve sanatın kendisi.

Teknik açıdan şöyle. Hâlâ gümüş teknolojisiyle çalıştığımı biliyorsunuz? Ve dijitalin aksine, dijital, geri adım atmanıza izin vermiyor. Tüm gümüş fotoğrafçılık süreci, zorunlu çok adımlı ve anlık olmayan görüntü işleme döngüsüyle, hayata belirli bir ritim kazandırır. 35 mm’lik bir gümüş filmin boyu sadece 1,5 metredir. Ama bununla her uğraştığınızda dizlerinizin üzerine çöküyorsunuz. Doğru şekilde pozlamanız gerekir ve filmi “temizleyip” tekrar pozlayamazsınız. Ortaya çıkarıp tamir edemezsiniz, tamir edip yıkayamazsınız, yıkayıp kurutamazsınız, vs. d. Bu disipline etmektir. Bu beni sadece ileriye, ideal, mükemmel bir negatife gitmeye zorluyor, çünkü ikinci aşama daha az mükemmel olmayan bir baskı, pozitif bir baskı yaratmayı içerecek. Ve burada da kendine özgü pek çok incelik, sorumluluk ve tuzak var. İşte bir örnek. Doğal kağıtla çalışmak her zaman iki el gerektirir. Her grafik sanatçısı bunu bilir. Grafikerler her zaman hissetmişlerdir ve bana da kağıdı, dokusunu ve yoğunluğunu, boylamasına ve enlemesine davranışını hissetmem öğretildi. Onunla dokunsal teması her zaman takdir etmişsinizdir. İşin kağıt üzerinde özensiz bir şekilde ele alınması onları ve daha sonra da beni ne kadar rahatsız etti! Belli bir alıcı gelir ve tek eliyle bir çarşaf alır, işte bu kadar, kırılması garantidir! Parmak izlerinden bahsetmiyorum bile… Karşınızda cebi tedavüldeki banknotlarla dolu bir amatör olduğunu hemen görebilirsiniz.

Bu madalyonun bir yüzü. Diğeri ise yaratıcı olmak isteyen fotoğrafçının laboratuvar asistanını sürekli sıkıştırmak zorunda kalmasıdır. Ah, ne kadar çok meslektaşım mükemmel bir baskının bir fotoğraf eseri olduğunu düşünüyor ve bir eserin bir üründen çok bir mesaj olduğunu tamamen unutuyor. Görüntüleme teknolojisi bugün o kadar iyi ki, teknik açıdan yetkin fotoğrafik görüntülerle çevriliyiz. Ancak bir şeyi tasvir ediyor, yansıtıyorlarsa, bu çoğunlukla yaratıcının oldukça ilkel iç dünyasındadır. Ve sofistike izleyicinin ruhuna ya da kalbine hiçbir şey vermeyin. Burada yine Brodsky’den bir alıntı yapmama izin verin: “Çağdaş olsun ya da olmasın, bir şairin bugün karşılaştığı temel sorunlardan biri, kendisinden önce gelen şiirin, başka bir deyişle mirasın o kadar büyük olmasıdır ki, insan buna bir şey ekleyip ekleyemeyeceğini, öncekileri değiştirip değiştiremeyeceğini ya da kendin olarak kalıp kalamayacağını merak etmek zorunda kalır. …Tsvetaeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost ve Eliot gibi insanlardan sonra söyleyecek niteliksel olarak yeni bir şeyiniz olduğunu düşünmek.., – kendini beğenmiş ya da çok cahil bir tip olmak anlamına gelir. Ben kendimi ikinci kategoriye koyuyorum. Yazmaya ilk başladığınızda, sizden önce gelenler hakkında pek bir şey bilmezsiniz. Bu bilgiyi ancak hayatın ortasında edinirsiniz ve bu sizi yere yapıştırır ya da hipnotize eder”.

– Kendi işinizi değerlendirirken sadece kendinize güvenirsiniz?

– Son yıllarda sadece kendimi dinlemeye çalışıyorum. İç akort çatalından daha önce bahsetmiştim. Benimle uyum içinde olan hitler çok az ve insan başkasının melodisiyle dans etmek istemiyor. Başka ne ekleyebilirim bilmiyorum.

Ancak her zaman yalnızca kendinize itaat etmeniz gerekmez. İşte bir hikaye. Bir tersanede fotoğrafçıyken, uygulamalı fotoğrafların kopyalarını değerli gümüş fotoğraf kağıdına yapmamı zorunlu kılan üretim siparişleri beni rahatsız ederdi. Bu tür her sayfayı daha iyi kullanabileceğimi düşündüm: üzerine bir sanat eseri, hatta “netlenka” basabilirdim. Özellikle bir denizaltı ya da su üstü gemisindeki şu ya da bu aletin elektrik şemalarının dolaşıma sokulması söz konusu olduğunda çıldırtıcı oluyordu. Ne de olsa fotokopi makineleri ve fotokopi makineleri zaten vardı – daha hızlı ve daha ucuz. Hayır! Denizcilerin talepleri değişmezdi: sadece gümüş baskılar! Araştırmaya başladım ve agresif bir ortamda sadece eski güzel gümüş teknolojisinin görüntüyü koruduğu ve böylece zor durumdaki mürettebatı kurtarmaya yardımcı olduğu ortaya çıktı. İnsanların olağanüstü durumlarda hayatta kalması söz konusu olduğunda, nasıl tartışabilirsiniz?? Benim sanatsal hırslarımın insanların hayatlarıyla kıyaslandığında ne önemi var??

– Meslektaşlarınızla ilişkiniz nasıl gelişti, tanınma arzusu var mıydı??

– Farklı aşamalarda farklıdır. Bir zamanlar, kişinin gönül telini titretmek olmasa bile, akranları tarafından takdir edilmek kesinlikle önemliydi. İşte bu yüzden. Sovyet dönemi tarihçileri devrim öncesi Türkiye’sının fotoğrafçıları hakkında şöyle yazmışlardır: “Dmitriyev’in yaratıcılığı Çarlık döneminin zor koşulları altında gelişmiştir”. Şimdi sık sık şu ya da bu kişinin “Sovyetler Birliği “nin dayanılmaz koşullarında büyüdüğü söyleniyor. Fotoğrafçılar için “zor koşullar”, fotoğrafın Sovyet kurumları tarafından sanatlar arasında kesinlikle tanınmamasıyla daha da kötüleşti. Ama biz fotoğrafçılar aksini düşündük! Ayrıca, bir bilgi boşluğu içinde çalışıyorduk ve hem seleflerimiz hem de çağdaşlarımız olan yabancı meslektaşlarımızın çalışmalarını çok az biliyor ve görüyorduk. Bu yüzden çoğunlukla birbirimizden öğrenmek zorundaydık. Başka uzman yoktu! Bu, yerli fotoğraf topluluğunun özelliğidir. Perestroyka’dan sonra Batı’dan ülkemize akın eden galeri sahipleri, küratörler ve sanat eleştirmenlerinin Rus meslektaşlarından çağdaş fotoğrafçılığımız hakkında bilgi almaya çalıştıklarını hatırlıyorum. Şaşkınlık içindeydiler: “Ne? Fotoğraf tarafından? Böyle sanatçılar var mı??”. Başka bir deyişle, seks gibi fotoğraf da Sovyet ülkesinde var olamazdı..

Sonra farklı zamanlar ve farklı tutumlar geldi. Yavaş yavaş meslektaşlarım tarafından da tanınmaya başladım. Eski dostların ve tanıdıkların çalışmalarını net bir şekilde algılamanın ve takdir etmenin ne kadar zor olduğunu tecrübelerimle biliyorum. Mesafe istiyorum. O zaman en azından mutlak değer olarak biraz benzer.

Petersburg. 2005 g.

Ağaçlar. 1992 g.

Garden Street Haliç.1995 g.

Çocuklarla birlikte otoportre. 1995 g.

Mart. 2008 g.

Baypas Kanalı. 1995 g.

Piccalou Köprüsü. 2003 g.