Kirill Ovchinnikov: Hayat sürekli bir anlar dizisidir

Kirill Ovchinnikov – Rus sanatçı, tasarımcı, gazeteci, profesyonel fotoğrafçı. İstanbul’da doğdu, yaşıyor ve çalışıyor. Eğitim: Sanat ve Grafik Sanatlar Bölümü. 1990’dan beri Uluslararası Grafik Sanatçıları Derneği üyesi. Önde gelen Rus ve yabancı dergilerle işbirliği yapar: “Russian Reporter, Snob, Around the World, Architectural Digest, Elle, Elle Decor, Esquire, Harper’s Bazaar, L’Officiel, Newsweek, N. G. Traveller, Vogue, Wallpaper vb. Reklam ajansları ve şirketleri ile çalışır.

Sergiler: Multimedya Sanat Müzesi “Krymsk. Tanıklar. Doğrudan Konuşma” İstanbul, 2013 . The Art Photography Show San Diego, ABD, 2009 . “Fotoğrafta Moda ve Stil İstanbul, 2005, 2009 . “Meksika’da Ölüler Günü”. Mimarlık Müzesi’ne onun adı verilmiştir. Shchusev İstanbul, 2008. Türkiye’nın En İyileri İstanbul, 2008-2014 . Manezh Sergi Salonu İstanbul, 1990-1995 .

Ödüller: Uluslararası Fotoğraf Ödülleri 2013 . Siyah Beyaz Örümcek Ödülleri 2012 . Hasselblad Masters Ödülleri 2008, 2010 . Ulusal Basın Fotoğrafçıları Derneği 2013 . The Art Photography Show 2009 , vb.

Eserleri müze ve özel koleksiyonlarda yer almaktadır.

Kirill Ovchinnikov. Fotoğraf: Lee

liya Khafizova

BAŞLANGIÇ

– Çocukluğumdan beri çok çizim yapıyorum, sanat okuluna gittim, tarihle ilgileniyorum. Sekizinci sınıfı bitirdikten sonra 1905 kolejine kaydoldu, ancak kayıt yaptıramadı. Bir sanat ve tiyatro okuluna gitti, bir yıl devam etti ama beğenmedi. Bir yıl boyunca hiçbir yerde çalışmadım. Genç işçiler için akşam okulunu üç ayda bitirdim, ortaokul bitirme sertifikamı aldım. Bir çelik fabrikasında kalıpçı olarak çalıştım. Üniversitede tarih okudum. Giremedim, orduya katıldım.

Askerdeyken dekorasyon şirketinden bir ressamla tanıştım. Spor ve toplantı salonlarını dekore ederlerdi. Ben de bir sanatçı olduğumu hatırladım ve onlarla resim yapmaya başladım. Ordu sanatsal faaliyetlerime devam etmem gerektiğini kesin olarak anladıktan sonra. Yağlı boya ile çalışıldı. Çalışmalarımı Manege’e götürdüm, her yıl düzenlenen All-Union Sanatçılar Sergisi vardı ve bugünlerde dedikleri gibi bir kabul komitesi vardı. Hemen Grafik Sanatçıları Birliği’ne kabul edildim. Ondan sonra kendime inandım ve resim yapmaya devam ettim. Sanat bölümüne gitti, geceleri çalışmaya ve okumaya devam etti.

Enstitüden mezun oldu, bir okulda çalıştı – bu genç profesyoneller için bir ön koşuldu. Bir yıl boyunca çizim ve resim öğretmeni olarak çalıştım. 21 yaşındaydım, büyük alınlar beni görmeye geldi, onları pasifize etmek zorunda kaldım ve onları bir cetvelle dövdüm. Çalıştım. Boyama. Ama sonra Perestroyka oldu ve her şey değişti. Hayat planım – Sanatçılar Birliği’ne katılmak, komisyonlar üzerinde çalışmak, kulüpler, yüzme havuzları ve kültür merkezleri tasarlamak – dağıldı.

PERESTROIKA

– 90’lardayız. İzmailovo’ya gittim, vernissage’da yabancılara eserlerimi satmaya çalıştım ve sergilere katıldım. 1996 yılında resim yapmanın bittiğine karar verdim. Bir ailem, iki çocuğum vardı. Onları desteklemek zorundaydım. Her şeyi bıraktım ve ticarete atıldım. Luzhniki’de ticaret yaptım, mal almak için Türkiye’ye gittim. İlk başta her şey ilginç ve heyecan vericiydi: Türkiye, çuvallar, servisler. Türkiye’nin her yerine gittim. Gittim ve günlükler yazdım. Bunlardan biri Medved dergisinde yayımlandı. “Bu harika” diye düşündüm! Gelecekte yapacağım şey de bu olacak”. Medved ile birçok çalışma yaptım ve hatta bazı fotoğraf prodüksiyonları gerçekleştirdim.

Aynı zamanda başka dergiler için de makaleler yazdı. Bir mimar tanıdığım beni Peace and Home dergisine getirdi. İç mekanlar hakkında metinler yazmak. Aptalca bir işti. İlginç bir şeyler yapmak istedim ve iç tasarım hakkında ne yazabilirim?? Bazı fantastik hikayeler buldum, hatta tasarım stüdyosu üzerine bir makaleyle bir tür ödül kazandım. Sonra sanatsal tarafa geçmeye karar verdim ve bir dergi tasarlamaya başladım. Sanat yönetmeni ve fotoğraf editörü olarak görevlerimi birleştirdim. Üç yıl boyunca bir derginin nasıl yapıldığını öğrendim, orada farklı fotoğrafçılarla tanıştım. Kendim çekmeyi düşünmedim bile. Çekimlerde yönetmen ve yapımcı olarak görev aldı.

GERÇEKTEN GERÇEKTEN GERÇEKTEN

– Bir gün bir fotoğrafa baktım ve şöyle düşündüm: “Fotoğraf resim gibidir, sadece daha hızlıdır.”. Genel yayın yönetmenine dedim ki: “Fotoğrafçılara fotoğraf çekmeleri için çok para ödüyoruz. Bana bir fotoğraf makinesi alın, fotoğrafları kendim çekerim!”.

Editör, bir sanat yönetmenini bu şekilde kaybedebileceğini fark etmemişti. Dedi ki: “Bu harika!”ve bana bir kamera aldı. Altı ay boyunca bir kamerayla dolaştım, birkaç kitap okudum. Bazı evleri, bazı yeni binaları çekmek için görevlendirildim. İyi oldu. Bu şekilde ateş etmeye başladım. Salon Interior ilk Rus iç tasarım dergisiydi ve dergiye girmek çok prestijliydi. Bir çiçek kompozisyonu çekmek için görevlendirildim. O zamanlar iç mekan fotoğrafçılığında bir öncü olan açık diyaframda çekim yaptım. Açıklaması basitti: Flaşın yapaylığını sevmiyordum. Dima Livshits tarafından bana verilen Fresnel lensli bir “bebek” kitim vardı ve mümkün olduğunca doğal ışık kullanmaya çalıştım. Doğal ışığı her zaman sevmişimdir ve nasıl çalıştığını anlamışımdır. Dergi bana şöyle dedi: “Kirill, böyle keskin çekmeyi biliyorsun, böyle daha çok fotoğraf çek…”.

Interiors + Design dergisinin arkasında ilginç bir hikaye var. Birkaç günlüğüne İstanbul’ya gelen mimar ve İtalyan tasarım yıldızı Giulio Cappellini’yi çekmesi gereken fotoğrafçı ya çekim yapmayı reddetti ya da hastalandı. Bana sordular bir şekilde orada bulundum – sanırım ilk çekimimi getirdim . Ben sürdüm. Bir iç salonda çekim yapmak zorundaydım. Bir sürü mobilya, bazı insanlar, sanırım bir büfe vardı. “Nereye götüreyim?” diye düşündüm?”. Pencerelerin dışında kış, kar yağıyor. Onu dışarı çıkardım ve ceketi ve botlarıyla karda, arka planda kırmızı beyaz reklamıyla birlikte filme aldım. İlginçti ve o zamanlar için oldukça avangarttı. Herkes beğendi, yayınlandı.

Cappellini benden fotoğrafları getirmemi istediği için ertesi gün yeni basılmış negatiflerle ona koştum. Milyonlarca fotoğrafçı tarafından çekilen bir İtalyan şöyle bir baktı ve şöyle dedi: “Bu resimleri senden değeri karşılığında satın alacağım?”. – “Yüz dolar,” dedim, aklıma gelen ilk şey buydu. Her şeyi satın aldı ve bunun ilk iş için iyi bir işaret olduğunu düşündüm. Ondan sonra farklı dergiler için birçok farklı portre çalışması yaptım. İnsanları çekmeyi her zaman iç mekanlardan daha çok sevmişimdir. İç mekan çekimlerini – sakin ve ölçülü – bir eğitim seansı olarak gördüm. Çerçeveyi kurarsınız, ışık üzerinde çalışırsınız. Bana eskiden ressamların natürmortları nasıl resmettiklerini hatırlatıyor. Sessiz stüdyo çalışması.

MEKSİKA. LIVAN. BIR DÖNÜM NOKTASI

– Seyahat fotoğrafçılığı yapma şansı bulur bulmaz, bir yere gitmek için her fırsatın üzerine atladım. Around the World için Meksika’ya çekime gitti. Ayrıca, bu arada, onaylanan ancak bir tanıtım çekimi nedeniyle gidemeyen harika Boris Bendikov’un yerine. Beni o tavsiye etti. “Meksika’da Ölüler Günü” hikayesi Mimarlık Müzesi’nde sergilendi ve burada Rus Reporter dergisinin fotoğraf direktörü Andrei Polikanov ile tanıştım.

Yıllardır birlikte çalışıyoruz. İlk kameram orta format bir Asahi Pentax’tı, sonra bir gimbal kamera. Daha önce hiç röportaj kamerasıyla çekim yapmamıştım ve röportaj çekmek istiyordum. Ancak bir gimbal ile gerçekten çekim yapamazsınız savaşın harap ettiği bir şehir olmadığı sürece . TASS’a gittim ve Lübnan’a gitmek istediğimi söyledim, paraya ihtiyacım yok, sadece beni gönderin. Kabul ettiler, bir Hasselblad aldım ve bombardımanın yeni sona erdiği Beyrut’a gittim. Lübnan’da Mutlu Noeller’in hikayesini çekin. Onu uluslararası bir yarışmaya gönderdiniz ve ikinci oldu. Bu benim belgesel fotoğrafçılıkla tanışmamdı.

– Artık sık sık portre ve iç mekan çekimleri için görevlendiriliyorsunuz?

– Dergilerin tümüyle popüler olduğu dönem sona erdi. Siparişleri azaltıyorlar. Giderek daha az sıklıkta oluyor. Bazen Vogue ve Bazaar için portre çekimleri yapıyorum. Dijital olarak renkli çekim yapıyorum ve bundan pek hoşlanmıyorum. Şu anda bir dönüm noktasındayım. Alışılmadık, yaratıcı bir şey isteyen çok az müşteri var. Çoğu insan net ve standart olanı ister.

– Ancak hala alışılmışın dışında bir şeyler isteyen müşteriler var?

– “Kargopolsky Journey” kitabı için fotoğrafı her zaman istediğim şekilde çektim: bir ürün olarak değil, sanat olarak. Bu sıradışı olmakla ilgili bile değil, zevkinize ve gözünüze güvenmekle, sanatsal bir çerçeveye sahip olmamakla ilgili. İnsanlar “sanata ihtiyacımız yok” dediğinde, sanat da olmayacaktır.

– Çok güzel bir hikaye!

– Işık İnsanları projesinde yer aldığımda Rosgidro için Sayano-Shushenskaya HES’te de aynısı oldu.

FOTOĞRAFÇILIK VE RESIM

– “Sanat” geçmişiniz bir fotoğrafçı olarak size yardımcı olur veya sizi engeller?

– Bir resim yapmak üzereyken aklıma gelen ilk şey, öğeleri çerçeve içinde veya tuval üzerinde nasıl konumlandıracağımdır. Bu durumda, resim ve fotoğraf arasında bir fark yoktur. Önemli olan nesneyi nasıl konumlandırdığınız ve hangi ışığı ayarladığınızdır.

– Yaklaşık 12 yaşında bir çocuğun size ders çalışmak için geldiğini düşünün. Onlara vereceğiniz ilk görev ne olurdu?? İlk fotoğrafçılık dersinize nereden başlardınız??

– Sanat ve çizim tarihinden. Bir piramit, bir küp ve bir balon çizmelerini isterdim. Sanat okulundaki gibi bir hedef koymazdım, size vuruşu öğretmek isterlerdi, kendimi çizgiyle sınırlardım. Ardından, manzaranın yerinde bir eskizini yapmanızı öneririm. Çünkü bir eskiz sadece özü yakalamak ve görüntüyü aktarmakla ilgilidir. Fotoğraf çekmeye başladığımda, fotoğraf ile resim arasındaki farkı anlamaya çalışıyordum. Fotoğrafçılığın ne olduğunu anlamaya çalışmak. Bir sürü farklı resme bakıyordum.

– Bize nasıl portre çektiğinizi anlatın. Portre, görünürdeki basitliğine rağmen bana fotoğrafçılığın en zor türü gibi geliyor.

– İyi bir portre her iki tarafın da ilgisiyle yapılır: portre konusu ve portre sanatçısı. Portre türü çok eski zamanlardan beri değişmemiştir. Ressamların bir portreyi çizmesi uzun zaman alır, fotoğrafçılık bunu çok daha hızlı yapar. Eski bir ressam olarak bunu seviyorum: zamanı kısaltıyor. Sanatçı bir form bulmalı, boşluklar oluşturmalı ve uzun bir çalışma ve çabadan sonra bir portre üretmelidir. Ama ruh halini aktarmak için daha fazla zamanı var. Boyanmış bir portre, gerçekçi olandan soyut olana doğru bir daire çizmiştir. Genel olarak, resim bir daire çizmiş ve soyut olana kapanmıştır. Resim yapmayı bırakmamın nedenlerinden biri. Benim için soyut sanatın sonudur. Bence her sanat formunun kendine özgü bir anlamı, kendine özgü bir farklılığı ve işlevselliği, kendine özgü bir amacı vardır. Artık fotoğrafçılık da gündeme geldi ve fotoğrafçılığa duyulan ihtiyaçtan, fotoğrafçılığın ne olduğundan bahsetmeye başladılar..

Benim için fotoğraf anla, anın ruhuyla, anın özüyle ilgilidir. Bir portreye ayrılan süre çok uzun olamaz ama çok kısa da olamaz. Paolo Roversi’nin şu sözleri kalbime çok yakın: Işık yoksa görüntü de yoktur. Bir portre için pozlama süresi ne kadar uzun olursa, öznenin ruhunun filmde o kadar fazla yakalandığına inanıyor. Ben buna inanıyorum. 1/2000’de çekilen bir portre 1/8’de çekilen bir portreden farklıdır. Ama zaman ve maruz kalmanın bununla bir ilgisi olmalı. Belki de resmedilen ile portreci arasındaki bağ, ortaya çıkan atmosfer.

– Bana öyle geliyor ki, eğer bu bağlantıya sahip değilseniz, iyi bir portre yapamazsınız: ya rastgele ya da resmi. Bana göre hazır reçeteler yoktur, bir başyapıt için formül türetemezsiniz, bunu kağıda yazıp bir portre “yapmanın” tek olası yolu olarak aktaramazsınız.

– Katılıyorum. Belki çok uzun pozlamalarla mükemmel bir şey elde edilir, ancak pazarlanabilir niteliğini kaybeder.

– Muhtemelen sahip olduğunuz şeyin pek de hoşunuza gitmediği durumlarla karşılaşmışsınızdır. Çünkü zihninizde belli bir ideal, yaklaşmaya çalıştığınız belli bir şaheser var?

– Evet, var ama bu tartışılır. Fotoğrafçılık – o an. Bir portre, asırların portresi haline gelemez. Mükemmel bir resim sadece belirli bir zaman dilimi için mükemmel olabilir.

– Bir portre fotoğrafçısı olarak hedefiniz nedir??

– Portre çekerken herhangi bir genel amacım yok. Benim için iyi bir portre, gereksiz hiçbir şeyin olmadığı bir portredir. Gereksiz her şeyi çıkarmayı başardıysanız, portre iyidir, başarılı olmuştur.

– Ancak portre ile çektiğiniz kişinin yüzde 100 aynı olduğunu söyleyemezsiniz?

– Bu imkansız. İnsanlar çok çeşitli olduğu için, bu çeşitliliği tek bir portrede yakalayamazsınız. İnsan gözü diğer kişinin çeşitliliğini yakalar. Bir bakış binlerce fotoğrafa benzetilebilir. Bakış üç boyutludur, idealize etme, bir kişiye sahip olmadığı bir şeyi verme, bir kişinin ruh halini ve atmosferini yakalama niteliğine sahiptir. Bir kamera, film veya sensör bunu yakalayamaz. Tekniğin seçenekleri sınırlıdır, ancak yazar biraz teknik sihirbazlıkla algının sınırlarını zorlayabilir ve bir şekilde atmosfer ve ruh halini aktarabilir. İşe yarıyorsa, iyidir.

– Portre çekerken kullandığınız gizli bir tekniğiniz, bir hileniz var?

– Hayır, herkese her şeyi anlatırım. Hiç numaram yok. İnsanları doğal olmayan, onlar için doğal olmayan pozisyonlarda fotoğraflamıyorum, onları zıplatmıyorum veya onlar için uygun olmayan şeyler yaptırmıyorum eğer bu konseptin bir parçası değilse . Genellikle bir kişiye istediği şekilde oturmasını veya ayakta durmasını ve ne istediğini düşünmesini öneririm. Bazen, eğer kişi bunu yapamıyorsa, ona yardım etmeye çalışıyorum.

– Portrecinin resmettiği kişiye karşı bir tür duyguya sahip olması gerekir mi??

– Önemli olan fotoğraf çekilmeden önceki ruh halidir. Dengeli ve tarafsız olmalıdır. İşe yaramasa ve canlandırdığınız kişiyle temas kurulmasa bile, yine de sakin kalabilir ve hiçbir şey olmamış gibi davranabilirsiniz. Göz açıp kapayıncaya kadar ateş etmeyi öğrenmelisin. Karakterlerini tüketecek kadar yıpratan fotoğrafçılar tanıyorum. ‘Tek atış’ tekniği insanları şaşırtıyor – ve tepki verecek zamanları yok. Duygular yolunuza çıkabilir. Arkadaşlar ve ailenin fotoğrafını çekmek daha zordur: Basmakalıp bir ilişkinin içine hapsolmuşsunuzdur. Yabancıları vurmak daha ilginç. Fotoğrafçılık süreci bir tanıma ve keşfetme sürecine dönüşür. İlk bakış doğru olanıdır. Bunu yabancı bir ülkenin fotoğrafını çekmenin ne kadar kolay ve kendi ülkenizin fotoğrafını çekmenin ne kadar zor olduğu ile karşılaştırabilirim. Yabancı bir ülkeyi seviyorsunuz, her şey sizin için yeni ve orada yaşayan insanların fark etmediği şeyleri fark ediyorsunuz.

– Katılıyorum, çekim yapmak için en zor şey yaşadığınız ülke, şehir. Belki de bu yüzden, burada yaşayan pek çok yetenekli fotoğrafçı olmasına rağmen, İstanbul’ya ait çok fazla ilginç fotoğrafımız yok.

– Evet, İstanbul’da çekim yapmak zor. Özellikle kişinin kendi iradesiyle. Sipariş üzerine çalışmak daha kolay. O halde sınırlı bir zaman diliminiz ve net bir hedefiniz var. İnsanları hayal kırıklığına uğratmaktan korkuyorsunuz, markanızı ve itibarınızı korumak istiyorsunuz, para kazanmak için yukarıda ve öteye gitmek istiyorsunuz. Zor bir motivasyon var.

– Kendinize bir görev verdiğinizde ne olur??

– Bunun için daha da odaklanmalı, iradenizi toplamalısınız..

GÜZELLIK VE UYUM

– İç temanız neyse odur?

– Onu arıyorum. Yani bir tema var ama henüz onu kullanacak bir şey bulamadım. Ne çekersem çekeyim her zaman güzelliği ararım. Henüz bir fotoğrafçı değilken bile bir sanatçıydınız. Benim için güzellik her zaman aktarmam gereken şeyin ana ve belirleyici göstergesidir. Ancak modernite başka bir şey talep ediyor.

– Güzellik bugünlerde bir küfür

.

– Biliyorum. Ve bunun hakkında konuşulacak bir kelime bile olmadığına neredeyse ikna oldum.

– Ama sen inanmadın?

– Neredeyse inanacağım.

– Güzellik pek çok anlamı, pek çok düzeyi olan bir kelimedir. Güzellik ya da uyumdan bahsediyoruz?

– Neredeyse eş anlamlılar. Güzellik her şeydeki uyumdur: renk, ışık, oranlar. “Uyum” kavramı “güzellik” kavramından daha geniştir. Güzellik basmakalıp, tükürülmüş, modası geçmiş bir kelimedir. Ben hala gerçek bir başyapıtın, inançları, yaşları ya da her ne olursa olsun herkesin beğenisine uygun olması gerektiğine inanıyorum. Eğer gerçek bir başyapıtsa, tesisatçıya, marangoza, fizik öğretmenine ve sanat eleştirmenine hitap edecektir. Herkes şaheseri sever.

– Sizce bir başyapıt nedir??

– Bana göre bir başyapıt uyumdur. Bu gerçek bir fotoğraf. Önemli bir an. Mükemmel kompozisyon. Mükemmel ışık ve renk uyumu. Herkesin anlayabileceği ve ilişki kurabileceği içerik. Herkes hala devrimci olmaktan çok evrimsel ve uyumlu olan başyapıtları öğrenmeye devam ediyor. Herkes tarafından anlaşılabilirler. Ve eleştirmenlere yakın olan şey, sadece sınırlı bir çevre tarafından anlaşılabilir, ucuz bir yenilik olabilir.

– Bana öyle geliyor ki, geniş bir bilgi yelpazesine sahip olan bir eleştirmen, yeni bir eseri daha önce yapılmış olanlarla karşılaştırır ve onun yerini ve tanımını bulmaya çalışır. Kabaca söylemek gerekirse, işaretleme ve envanterleme. Hafızamızda ne kadar çok trend ve moda var. Onlara duyulan evrensel tutkuya rağmen gelir ve giderler. Daha deneysel ve keşifçidirler. Modayı takip etmek her zaman gerekli midir??

– Ama yapmak zorundayım. Her zaman gerekli olmasa da.

– Gimbal-kamera çekimine olan hayranlığınız ana akımdan ayrılma ve kendinize ait bir şeyler yapma isteğinden kaynaklanmıyor mu??

– O kadar da değil. Geniş formatlı bir fotoğraf makinesiyle çekim yapmaya başladım çünkü iç mekan ve mimari çekimleri yapıyordum. Ve çekim yapmaya başladığımda, fotoğraf makinesinin güzelliğini ve olanaklarını fark ettim. Ondan daha fazla ayrılamazdım.

– Krymsk’i gimbal kamera ile çekmişsin?

– Hayır, bir Hassel, savaş sonrası Beyrut gibi. Krymsk, belirli bir görev için doğru strateji ve teknik çözümün bir örneğidir. Krymsk’e trajedinin dördüncü gününde vardım. Evlerin içinde çekim yapmanız gerektiğini ve renkli çekim yapmanız gerektiğini hemen fark ettiniz. Evdeki her şeyi, suyun hangi seviyeye ulaştığını, nelerin etkilendiğini görebilirsiniz. Karakterlerimi kuruyordum, mekânı seçiyordum. Aynı anda kayıt ve çekim. Hızlı çekim yapmak zorundaydım çünkü bir süre sonra istediğim durumdan çıkıp poz vermeye başlıyorlar. İnsanları çekmeye başladım ve fark ettim ki onlar birer tanık. Herkes kendi hikayesini anlatır, biz büyük resmi görürüz. Çok sıcaktı. Bir günde kilometrelerce yürüdüm. Fiziksel ve psikolojik olarak çok zordu.

– Kargopol’da gimbal kameraya geri döndünüz. Kargopol yolculuğunuzu tamamladığınızı düşünüyor musunuz??*

– Hayır, projeyi bitirdiğimi sanmıyorum. Her projede her zaman kendim için bir şeyler çekerim. Daha doğrusu: Her şeyi kendim için çekiyorum. Her projede, elimdeki görev için mümkün olduğunca çok çekim yapmaya çalışıyorum ve bunun dışında ilginç bir şeyler çekme fırsatını kaçırmıyorum. Kargopol’e geri dönmeyi ve biraz daha “insan” hikayeleri yazmayı çok isterim. Fırsatlar aranıyor. İlginç olan çok şey var. Yolculuğumun başındaymışım gibi hissediyorum. Yine de iç temamı henüz oluşturmadım.

– O zaman uzun bir hayat yaşayacaksınız.

“Kargopolis Yolculuğu. Kargopolsky tarihi-mimari ve sanat müzesi ile Kuzey Türkiye topraklarında yedi rota”. Km.: Kar amacı gütmeyen bir hayır kurumu olan İnsanlığa Yardım Fonu’nun İlk Yayın Programı. Potanin, 2014. 836 s.: 773 il. Kitap, 2014 yılında “Sanat Kitabı” kategorisinde ulusal “Yılın Kitabı” yarışmasını kazandı. Ovchinnikov proje üzerinde başka bir fotoğrafçı olan Sergei Melikhov ile birlikte çalıştı. Sergey insanların yaşamlarını ve ritüellerini, Kirill ise mimari ve atmosferi fotoğrafladı. Genel Yayın Yönetmeni Lilia Khafizova. Sanat Yönetmeni Evgeniy Korneev.

Igor ve Olga Gorbachenko. Oğulları Stanislav. “On bir çocuğumuz var, en küçükleri kampa gönderildi. Tanrı’ya şükür ev kurtuldu. Aynı yerde olmamıza rağmen..

İçinde yaşadığımız nehir. Tavan arasında. Farklı insanlardan çok fazla yardım geliyor. Yiyecek ve çamaşır getiriyorlar. Hepinize teşekkür ederim. Biz büyük bir aileyiz, üstesinden gelebiliriz. 16 Naberezhnaya Caddesi.

W için çekim

The Russian Reporter dergisi

Lyosha, Albina’nın komşusu: Evet, onu tanıyordum. Burada yeniler. Yura Amca tavan arasında bir delik açıyordu, onları dışarı çıkarmak istiyordu. Ama başaramadı. Hepsi bağırıp çağırdı, sonra durdular. Tavan arasından suya atlayamazdım, akıntı çok güçlüydü. Ve pencere tamamen su altında. Yandaki çatı katında oturdum ve her şeyi gördüm. 218 Sovetskaya sok

Russian Reporter dergisi için çekim

Ovchinnikov